Leon Ferrari fotógrafo

Bajo la curaduría de Alexis Fabry, en colaboración con la Fundación Augusto y León Ferrari, la galería neoyorquina Josée Bienvenu presenta por primera vez al público el trabajo fotográfico de León Ferrari (Buenos Aires, 1920-2013). La exposición incluye veinte fotografías vintage únicas que datan entre 1970 y 1980, un cuerpo de obra íntimo, raro por su naturaleza de registro de un artista que mira su propio trabajo.

La fotografía estuvo incorporada y siempre presente en la obra de Ferrari a la manera de collages de periódicos o como soporte de su serie Brailles. Sin embargo, su investigación más directa y personal del medio como tal ha permanecido inédita hasta la fecha. Por más de dos décadas, Ferrari produjo un corpus de fotografías casi abstractas que retratan sus propias esculturas de acero.

Las impresiones en blanco y negro de escala relativamente pequeña que se muestran en esta exposición documentan relaciones entre líneas y espacio negativo. El disfrute de Ferrari en retratar sus esculturas se hace evidente en el encuadre e iluminación cuidadosamente calibrados, y en la sutileza de los matices de gris. Las fotografías de Ferrari capturan su deambular a través de las infinitas redes de sus esculturas, revelan ángulos íntimos a través de enfoques y desenfoques, y se convierten en un testimonio de su forma de acercarse y relacionarse con su propia práctica.

León Ferrari, Sin título, 1979, impresión vintage sobre gelatina de plata, 9,4 x 7 pulgadas (20.69 x 16.75 pulgadas enmarcada). Unica. Cortesía: Josée Bienvenu

León Ferrari, Sin título, 1979, impresión vintage sobre gelatina de plata, 9,4 x 7 pulgadas (20.69 x 16.75 pulgadas enmarcada). Unica. Cortesía: Josée Bienvenu

León Ferrari, Sin título, 1979, impresión vintage sobre gelatina de plata, 3,5 x 4,5 pulgadas (10,84 x 12,81 pulgadas enmarcada). Unica. Cortesía: Josée Bienvenu

León Ferrari, Sin título, 1979, impresión vintage sobre gelatina de plata, 3,5 x 4,5 pulgadas (10,84 x 12,81 pulgadas enmarcada). Unica. Cortesía: Josée Bienvenu

Vista de la exposición León Ferrari: Fotógrafo, en Josée Bienvenu, Nueva York, 2014. Impresiones vintage sobre gelatina de plata. Cortesía: Josée Bienvenu

Vista de la exposición León Ferrari: Fotógrafo, en Josée Bienvenu, Nueva York, 2014. Impresiones vintage sobre gelatina de plata. Cortesía: Josée Bienvenu

León Ferrari: Fotógrafo

Josée Bienvenu, Nueva York

Del 13 de septiembre al 25 de octubre de 2014

 

Fuente: Artishock

Pure evil: El lado oscuro de la pintura

Investigación Juanny Carballo

La pesadilla de Richard Burton, stencil rociado sobre tela, es la nueva serie del artista que se hace llamar Pure Evil y cuya obra gira como un virus en las redes sociales. Así nos llegó a jaquealarte, por varios medios e insistentemente. Te la presentamos y te contamos que el tal Pure Evil se dice descendiente de Sir Thomas More, el autor del maravilloso y controversial libro llamado Utopía. Por este legado Pure Evil considera -según cuenta en su web- que es por su estirpe que decidió dedicar su obra a explorar las hendijas de los sueños de la utopía y el mito del apocalipsis, una creencia en el mundo en permanente movimiento que nos presenta la historia con todos sus conflictos encausados hacia su propia exterminación.

Esto hace para contarlo:

 

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El “nuevo” Malba de Agustín Pérez Rubio

Agustín Pérez Rubio conoce Buenos Aires desde hace casi 20 años, cuando asistía a arteBA con el stand de la Comunidad Valenciana de donde es oriundo. Miles de días después de promover el arte de su tierra, llega ahora -como fue anunciado por todo lo alto, como dirían en España- a la dirección artística del Museo de Arte Latinoamericano de Bs As aka MALBA, a cubrir un puesto que no existía y que sólo fue ostentado por muy poco tiempo por el mexicano Agustín Arteaga cuando el museo inauguró.

Pérez Rubio asumió este viernes 1o.de agosto y quizá como clave de la gestión que acaba de iniciar y que recién verá sus frutos a partir de 2015 -2014 ya esta armada por la gestión anterior- se puede ver lo que ocurrió el día en que se hizo público su cargo, allá por mayo. El mismo día el MALBA recibía la donación de una obra de Cildo de Meireles hecha por el mismo artista y su galería paulista, Luisa Strina. Se trata nada más y nada menos que de Inserción en circuitos ideológico-Proyecto coca cola.

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“Insistí mucho para que el MALBA tuviese en su colección una obra de Cildo de Meireles, a quien considero uno de los grandes artistas contemporáneos de America Latina”, nos dijo Pérez Rubio en una charla informal sentados cerca de UTurn en la Rural en el pabellón de arteBA 2014, cuando vino a curar el espacio sponsorizado por Mercedes Benz y ya desde ahí también empezó a marcar la tendencia que seguramente será el signo de su gestión. Una curaduría que se basa en los vínculos: en el caso de Uturn se interesó por enlazar memoria, presente  y futuro bajo los conceptos de genealogía y relaciones no sólo basadas en el imaginario de los artistas convocacados sino también en sus afectos. Es interesante y novedosa, al menos para lo que será su gestión en el MALBA, esta idea de los vínculos. Pérez Rubio no viene solo a curar  muestras de arte, llega para darlo vuelta todo -en el mejor sentido- y aplicar su concepto de vinculación a las artes visuales con el cine, con la literatura y  con todo lo que él mismo llamó ese día de nuestra conversación la “familia Malba”.

Perez Rubio fue elegido por Eduardo Constantini luego de una gira por más de 10 curadores, la elección se basó en su experiencia de gestión en el MUSAC y en sus  importantes curadurías por todo el mundo, que dan el perfil internacional que buscaba la institución: una persona que se haga cargo del museo integralmente, que sea capaz de llevar por él gestiones en el exterior y que tenga una visión abarcadora de cada compartimento del museo. Rubio aceptó el cargo imponiendo sus condiciones: poder trabajar con la estructura total del museo y tener el derecho -y el deber, agregamos aquí- de poder modificarla.

Así esperamos que la colección sea narrada de otro modo y que, como comentó, si viene a una muestra Sophie Calle, a la vez de haga un ciclo de Paul Auster -quien le compró la idea de sacar fotos en una esquina de Brooklyn cada día a la misma hora para una de sus novelas- y que a la vez el espacio de cine puede dar, entendemos, un ciclo que incluya la película de Ang Lee donde se aprecian las escena tomadas de la cabeza de Sophie Calle. Esto explicado un poco linealmente.

Se respira ilusión ante esta nueva gestión en Buenos Aires luego de un largo tiempo de acefalía en el museo al que vamos todos. Desde jaque le deseamos a PRubio mucha suerte y le pedimos creatividad, imaginación, coraje y seriedad en el trabajo que le queda por delante por tiempo indefinido, porque así es su contrato. “A brillar, mi amor”.

 

Charly Nijensohn, cinema expandido & Estado de emergencia x 1a. vez en Bs.As

Hoy, esta tarde, a las 7 pm, se producirá el regreso a Buenos Aires de Charly Nijensohn, actualmente residiendo en Berlín junto a su compañera Marula di Como y sus vástagos. Llega Charly, un artista muy querido por sus contemporáneos acompañado de su obra que será proyectada por primera vez en Espacio Fundación Telefónica (Arenales y Montevideo) bajo el nombre de Estado de emergencia, una videoinstalación en la que la se presentan cuatro trabajos emblemáticos de los últimos ocho años de su producción ya exhibidos en otro formato en Bs As y en otras partes del mundo: Carachi Pampa (Catacamarca), Dead Forest, (Amazonas), El naugragio de los hombres (Salar de Uyum, Bolivia) y Después del final (Groenlandia). No es la primera vez que hablamos de él en este sitio.01 Pero ahora hay otra primicia: Se exhibirán por primera vez en Buenos Aires como cinema expandido como doce proyecciones en sincro bajo el pulso de un sonido inmersivo que concentran 30 años de trayectoria de Charly con la creación artística. 12 Para los que no lo conocen, les contamos que Charly Nijensohn, trabaja sobre la idea de una confrontación entre lo humano y las fuerzas naturales del universo que lo rodea: busca desiertos peculiaries, desde el Amazonas hasta los salares de Bolivia pasando por Catamarca y Groenlandia.Charly Nijensohn 05 Es en esa tensión inestable, que sus personajes navegan a través del tiempo y el espacio. Una situación real y existencial, en una linea de horizonte que se torna hostil, calma o indiferente. Charly-Nijensohn-1 Un paisaje amenazador que plantea preguntas sin respuestas. Hoy a las 7pm, musicaliza su hermano el gran DJ Dany Nijensohn que desde los 70 hace bailar a generaciones. Una muestra que será una fiesta de lujo. Gratis e imperdible. Aquí el video El naufragio de los hombres, 7mo día:

 

Hasta el 29 de noviembre de lunes a sábado – 14 a 20:30hs
Domingos y feriados cerrado. Entrada libre y gratuita

Todas las fotografías © Charly Nijensohn

 

El ex Malba Philip Larratt-Smith y su nuevo destino: Dinamarca

El ex golden boy del Malba -hay que decirlo, curó las muestra más concurridas del museo, la de Warhol y la Kusama, antes había curado la muestra de Louise Bourgeois, de quien fue cadete vip, para Proa – acaba de asumir con chief curator en la Faurschou Foundation, un espacio privado con sede en Copenaghe y Beijing fundado por la pareja de filántropos dinamarqueses Luise y Jens Faurschou.

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Smith con Tracey Emin en sus tiempos de curador en Malba

La Fundación tiene sede en los dos países mencionados y desde hace 25 años monta exhibiciones de artistas de renombre internacional tales como Ai Weiwei, Cai Guo-Qiang, Chen Zhen, Liu Wei y, claro, Louise Bourgeois, seguramente el link que llevó a nuestro ex casi compatriota Phillip a la institución.

Luego de su inesperada salida por la puerta del medio de nuestro museo de la Av. Alcorta, Phillip ya encontró un destino internacional. Es un chico de suerte, el mejor malentendido en el mundo curatorial internacional.

Desde jaque, te decimos “merde”, porque todos merecen una segunda chance, y que sigas abarrotando espacios de arte con artistas de prestigio o no.

14 rooms: La performance reina en ArtBasel 2014

Curada por Klaus Biesenbach y Hans Ulrich Obrist14 Rooms es una muestra de performance que abrió el jueves en Art Basel.  La exhibición reúne a 16 artistas internacionalmente conocidos, de los cuales 14 contarán con salas individuales -de allí el nombre de 14 Rooms- para “activar lo que quieran”, es decir, para explorar la relación entre el espacio, el tiempo y lo físico con una obra cuyo “material” es el ser humano.

La exposición es una colaboración entre la Fondation Beyeler, Art Basel y Theater Basel, y estará abierta al público hasta el 22 de junio.

 

Los participantes son  Hans Ulrich Obrist, Herzog & de Meuron, Jennifer Allora & Guillermo Calzadilla, Joan Jonas, John Baldessari, Jordan Wolfson, Klaus Biesenbach, Laura Lima, Marina Abramovic, Otobong Nkanga, Roman Ondák, Santiago Sierra, Tino Sehgal, Xu Zhen, Yoko Ono. Otros dos artistas se presentarán en el ambiente arquitectónico concebido por la firma Herzog & de MeuronJordan Wolfson, en calidad de epílogo, y John Baldessari, quien participa a través de la documentación de un performance que nunca ha podido realizar.

Ed Atkins, Dominique González-Foerster y Otobong Nkanga estrenan obras concebidas específicamente para Art Basel, mientras que las piezas seminales Wall-Floor Positions (1968), de Bruce Nauman, y Touch Piece (1963), de Yoko Ono, se presentan por primera vez como parte de este proyecto.

Aunque los mismos artistas no estarán presentes en la exhibición de sus obras, han instruido a ejecutantes bajo precisas especificaciones de actuación, lo que resulta en más de 70 artistas -principalmente de la región de Basilea- involucrados en la exposición.

 

Allora & Calzadilla, Revolving Door, en su presentación en 11 Rooms, Manchester International Festival, 2011. Foto: Howard Barlow

14 Rooms incluye Revolving Door (Puerta Giratoria, 2011), de Jennifer Allora y Guillermo Calzadilla, una obra en la que un grupo de bailarines forman espontáneamente una línea y comienzan a girar alrededor de la habitación con un movimiento circular, “barriendo” a los visitantes que vayan entrando mientras se mueven por el espacio. Los movimientos se basan en protestas políticas, marchas militares y coreografías de coristas.

De John Baldessari se presenta la documentación de archivo de una pieza nunca llevaba a cabo. En 1970, el artista propuso exhibir un cadáver en el contexto de la Exposición de la Información,en el MoMA de Nueva York, una obra provocadora y desafiante que aborda cómo el mundo del arte -y la sociedad en su conjunto- lidian con la muerte. Cadaver Piece (1970) sigue siendo un proyecto no realizado, ya que sus implicaciones éticas y legales han sido un obstáculo recurrente.

Continuando con su exploración de los límites de lo social y las desigualdades socio-culturales, Santiago Sierra colocará a un veterano de guerra mirando hacia una esquina de la habitación, y sólo podrá moverse de su puesto cuando sea solemnemente reemplazado por otro veterano, emulando la acción del cambio de guardia.

 

Santiago Sierra, Veteranos de las guerras de Afganistán, Timor del Este, Irak y Vietnam mirando una esquina, 2013. Registro de su presentación en 13 Rooms, 2013

 

De Joan Jonas, aclamada artista del performance multimedia y figura precursora del video-arte que representará a Estados Unidos en la próxima Bienal de Venecia, se presenta una de sus primeras obras, Mirror Check (1970), en la que una mujer observa y examina su propio cuerpo desnudo con un pequeño espejo de mano. El espejo funciona no sólo como símbolo del autorretrato, sino también como un dispositivo de fragmentación, que refleja las partes del cuerpo pero no el todo. “Es una pieza muy simple. Está estipulado que tiene que ser ejecutada por una mujer porque así se representó y se vio inicialmente, y está destinada a ser vista, porque se trata de una mujer mirando su propio cuerpo, teniendo el control de esa mirada”, dice la autora de 78 años.

Otro trabajo relacionado con el desnudo femenino es Luminosity (1997), de Marina Abramović, en el que una intérprete, expuesta sin ropa y con los brazos extendidos, se sienta en un asiento de bicicleta colocado en lo alto de una pared. La mujer es bañada con luz brillante y aparenta estar flotando en animación suspendida.

 

Joan Jonas, Mirror Check, 1970. Registro de su presentación en 11 Rooms, Manchester International Festival. Cortesía: Manchester City Galleries

 

Marina Abramović,‡ Luminosity, 2012. Registro de performance en 11 Rooms, Manchester International Festival. Cortesía: Manchester City Galleries

 

14 Rooms es un proyecto continuo. Se mostró primero como 11 Rooms en el Festival Internacional de Manchester, en 2011; como 12 Rooms en el Festival Internacional de las Artes Ruhrtriennale 2012-2014; y como 13 Rooms por Kaldor Public Art Projects, en Sydney, en el 2013. Para cada edición, la lista de artistas cambia parcialmente.

 

El arte latinoamericano desembarca en el Guggenheim de NYC

Desde mañana y hasta el l 1 de octubre de 2014, el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York presentará la exposición Bajo el mismo sol: Arte de Latinoamérica hoy, marcando la segunda fase de la Guggenheim UBS MAP Global Art Initiative (Iniciativa de Arte Global). Organizada por Pablo León de la Barra, curador de Guggenheim UBS MAP para Latinoamérica, la exposición exhibe obras de 37 artistas y dúos colaborativos de 16 países, incluidos Argentina, Bolivia, Brasil, Chile, Colombia, Costa Rica, Cuba, Ecuador, Guatemala, Honduras, México, Panamá, Perú, Puerto Rico (Estados Unidos), Uruguay y Venezuela.

Tras su presentación en Nueva York, Bajo el mismo sol: Arte de Latinoamérica hoy viajará a otras dos sedes. Con una selección de casi 50 trabajos, que incluyen instalaciones, obras en técnica mixta, pinturas, fotografías, esculturas, vídeos y obras en papel, esta muestra es la segunda de tres exposiciones correspondientes a la Guggenheim UBS MAP Global Art Initiative.

Las obras de la exposición, junto con las que fueron adquiridas como parte de la iniciativa, pasarán a integrar la colección permanente del Guggenheim bajo los auspicios del Guggenheim UBS MAP Purchase Fund (Fondo de Adquisiciones).

Alfredo Jaar, Un logo para América, 1987, video digital en color, 10′ 25″, edición 2/6 (animación original encargada por Public Art Fund para Spectacolor Sign, Times Square, Nueva York, abril de 1987). Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York / Guggenheim UBS MAP Purchase Fund. Cortesía del artista

 

Marta Minujín, Statue of Liberty Laid Down 1 (with Public Watching) (Estatua de la Libertad acostada I (con público que la mira), 1979, tinta sobre papel vitela (vellum), 80 x 110.5 cm. Solomon R. Guggenheim Museum, New York / Guggenheim UBS MAP Purchase Fund. Cortesía de la artista y Henrique Faría Fine Art, NY. Foto: Glenn Castellano

 

Richard Armstrong, director del Solomon R. Guggenheim Museum and Foundation, manifestó: “El Guggenheim tiene una larga trayectoria de compromiso con el arte latinoamericano, que comenzó con The Emergent Decade: Latin American Painters and Painting in the 1960s, una exposición organizada por el ex director del Guggenheim, Thomas Messer, en 1964. Con Bajo el mismo sol: Arte de Latinoamérica hoy, la Guggenheim UBS MAP Global Art Initiative se suma a nuestra creciente colección de arte latinoamericano contemporáneo y permite a los visitantes tener la oportunidad de participar en un diálogo significativo sobre las múltiples variaciones de identidad y cultura que existen en Latinoamérica”.

Para León de la Barra, “la Guggenheim UBS MAP Initiative nos da la oportunidad de redefinir los mapas culturales y artísticos, eliminar fronteras y crear nuevas relaciones entre los diferentes centros artísticos. El término periferias ya no es válido; hemos aprendido a reconocer que lo que está pasando en otro lugar es tan importante como lo que está pasando en lo que solían ser los centros. Cuanto más atentos estemos y mayor sea el diálogo que sostengamos con lo que está pasando, más aprenderemos como artistas, como personas y como comunidades, y mayor será nuestra capacidad para crear nuevas formas de pensamiento”.

Javier Téllez, One Flew over the Void (Bala perdida), 2005, video digital a color con sonido, 11′ 30″, edición 8/8. Solomon R. Guggenheim Museum, New York / Guggenheim UBS MAP Purchase Fund. Cortesía del artista y Galerie Peter Kilchmann, Zúrich

La exposición analiza la diversidad de respuestas creativas que actualmente se dan ante la complejidad de las realidades compartidas, influidas por historias de la época colonial y moderna, gobiernos represivos, crisis económicas y desigualdad social, así como períodos concurrentes de prosperidad económica, desarrollo y progreso a nivel regional. A pesar del crecimiento económico y una mayor estabilidad en la mayor parte de la región frente a la década anterior, ésta sigue dividida por diferencias sociales y étnicas, marcada por cambios políticos y económicos. La exposición de León de la Barra presenta respuestas artísticas al pasado y al presente dentro de estos contextos, y explora la posibilidad de construir futuros alternativos.

Los artistas que participan en la exposición son:

• Jennifer Allora y Guillermo Calzadilla (nac.1974, Filadelfia/nac. 1971, La Habana, Cuba; viven y trabajan en San Juan, Puerto Rico)

• Carlos Amorales (nac. 1970, Ciudad de México; vive y trabaja en Ciudad de México)

• Armando Andrade Tudela (nac. 1975, Lima, Perú; vive y trabaja en St. Etienne, Francia)

• Alexander Apóstol (nac. 1969, Caracas, Venezuela; vive y trabaja en Madrid)

• Tania Bruguera (nac. 1968, La Habana; vive y trabaja en Nueva York)

• Luis Camnitzer (nac. 1937, Lübeck, Alemania; vive y trabaja en Nueva York)

• Mariana Castillo Deball (nac. 1975, Ciudad de México; vive y trabaja en Berlín)

• Alejandro Cesarco (nac. 1975, Montevideo, Uruguay; vive y trabaja en Nueva York)

• Donna Conlon y Jonathan Harker (nac. 1966, Atlanta, Georgia/nac. 1975, Quito, Ecuador; viven y trabajan en Ciudad de Panamá)

• Adriano Costa (nac. 1975, San Pablo; vive y trabaja en San Pablo, Brasil)

• Minerva Cuevas (nac. 1975, Ciudad de México; vive y trabaja en Ciudad de México)

• Jonathas de Andrade (nac. 1982, Maceió, Brasil; vive y trabaja en Recife, Brasil)

• Wilson Díaz (nac. 1963, Pitalito, Colombia; vive y trabaja en Cali, Colombia)

• Juan Downey (nac. 1940, Santiago, Chile; fall. 1993, Nueva York)

• Regina José Galindo (nac. 1974, Ciudad de Guatemala; vive y trabaja en Antigua, Guatemala)

• Mario García Torres (nac. 1975, Ciudad de México; vive y trabaja en Ciudad de México)

• Dominique González-Foerster (nac. 1965, Estrasburgo, Francia; vive y trabaja en París y Río de Janeiro)

• Tamar Guimarães (nac. 1967, Belo Horizonte, Brasil; vive y trabaja en Copenhague)

• Federico Herrero (nac. 1978, San José, Costa Rica; vive y trabaja en San José, Costa Rica)

• Alfredo Jaar (nac. 1956, Santiago, Chile; vive y trabaja en Nueva York)

• Claudia Joskowicz (nac. 1968, Santa Cruz, Bolivia; vive en Nueva York y Santa Cruz, Bolivia)

• Runo Lagomarsino (n. 1977, Malmö, Suecia; vive y trabaja en San Pablo)

• David Lamelas (nac. 1946, Buenos Aires; vive y trabaja en Los Ángeles, Buenos Aires y París)

• Gilda Mantilla y Raimond Chaves (nac. 1967,Los Ángeles/nac. 1963, Bogotá; viven y trabajan en Lima)

• Marta Minujín (nac. 1943, Buenos Aires; vive y trabaja en Buenos Aires)

• Carlos Motta (nac. 1978, Bogotá; vive y trabaja en Nueva York)

• Iván Navarro (nac. 1972, Santiago, Chile; vive y trabaja en Nueva York)

• Rivane Neuenschwander (nac. 1967, Belo Horizonte, Brasil; vive y trabaja en Londres)

• Gabriel Orozco (nac. 1962, Jalapa, Veracruz, México; vive y trabaja en Ciudad de México, Nueva York y París)

• Amalia Pica (nac. 1978, Neuquén, Argentina; vive y trabaja en Londres)

• Wilfredo Prieto (nac. 1978, Sancti Spíritus, Cuba; vive y trabaja en Barcelona)

• Paul Ramírez Jonas (nac. 1965, Pomona, California; vive y trabaja en Nueva York)

• Beatriz Santiago Muñoz (nac. 1972, San Juan, Puerto Rico; vive y trabaja en San Juan, Puerto Rico)

• Gabriel Sierra (nac. 1975, San Juan Nepomuceno, Colombia; vive y trabaja en Bogotá)

• Javier Téllez (nac. 1969, Valencia, Venezuela; vive y trabaja en Nueva York)

• Erika Verzutti (nac. 1971, São Paulo; vive y trabaja en São Paulo)

• Carla Zaccagnini (nac. 1973, Buenos Aires, vive y trabaja en São Paulo)

Regina José Galindo, Blind Spot (Punto Ciego), 2010, video digital a color con sonido, 17′ 2″, P.A 1/3, edición de 5. Solomon R. Guggenheim Museum, New York / Guggenheim UBS MAP Purchase Fund. Cortesía de la artista y prometeogallery, Milán/Lucca, Italia

 

Jonathas de Andrade, Carteles para el Museo del Hombre del Nordeste, 2013,  77 impresiones cromogénicas, montados en paneles de acrílico, 10 impresiones de inyección de tinta, y 6 fotocopias en acetato con retroproyector, edición 2/5, dimensiones variables. Solomon Guggenheim Museum, Nueva York / Guggenheim UBS MAP Purchase Fund. Vista de la instalación, Kunsthalle Lissabon, 2013. Cortesía del artista y Galeria Vermelho, São Paulo. Foto: Jonathas de Andrade

 

Amalia Pica,  A ∩ B ∩ C, 2013, láminas de acrílico, dimensiones variables. Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York / Guggenheim UBS MAP Purchase Fund. Vista de instalación en el Museo Tamayo, Ciudad de México, 2013. Cortesía del artista y Marc Foxx Gallery, Los Angeles. Foto: Daniela Uribe, cortesía de la artista y el Museo Tamayo

 

Temas de la exposición

• El conceptualismo y sus legados. Incluye obras de conceptualistas de artistas latinoamericanos pioneros, que trabajaron activamente en Estados Unidos durante las décadas de 1970 y 1980, muchos de los cuales siguen trabajando hoy en día. Estas figuras infiltraron y cuestionaron la corriente artística y política tradicional, en un intento por intervenir en la realidad social y proponer una narrativa en marcado contraste con la de los artistas minimalistas y conceptualistas norteamericanos y europeos, cuya obra a menudo se fundamenta en ideas de autonomía e inmaterialidad.

• Tropicologías. Reconoce los efectos que el clima, la naturaleza y el lugar ejercen sobre la producción cultural, pero sostiene que el ser “tropical” va más allá del clima y la geografía. Las obras en esta sección también reevalúan el conocimiento de las culturas nativas amerindias, reactivando su estética y sus simbolismos.

 Activismo político. Trata el contexto socio-político, y confronta las formas en que los artistas latinoamericanos han direccionado la estética hacia la denuncia y el disenso, protestando contra las influencias políticas y económicas extranjeras, los regímenes políticos dictatoriales y la violencia del tráfico de drogas.

• El modernismo y sus fracasos. Cuestiona el desfase entre los ideales de la modernidad y sus realidades imperfectas, e incluye obras de artistas que tratan el legado del modernismo actual.

• Participación/emancipación. Examina las posibilidades de participación a través del arte. Las obras invitarán a los visitantes a comprender el arte como experiencia participativa, no solo como objeto de contemplación.

 

Gabriel Orozco, Piñanona 1, 2013, témpera y pan de oro bruñido sobre lienzo, 40 x 40 cm. Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York / Guggenheim UBS MAP Purchase Fund. Cortesía del artista y kurimanzutto, Ciudad de México. Foto: Studio Michel Zabé, 2013

 

Federico Herrero, Pan de Azúcar, 2014, acrílico, óleo, pintura aerosol y rotulador sobre lienzo, 165 x 150 cm. Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York / Guggenheim UBS MAP Purchase Fund. Cortesía del artista. Foto: Isaac Martínez

 

La exposición contará además con programas educativos dinámicos y específicos, enfocados en el público, tanto en las sedes de la exposición como por Internet. Los programas públicos del Guggenheim Museum incluirán conferencias e interpretaciones de artistas, programación de películas, talleres de práctica curatorial, un simposio académico y visitas públicas, tanto en inglés como en español. Las herramientas educativas desarrolladas para la exposición incluyen una guía de recursos bilingüe para familias y docentes, programas para familias y escuelas, talleres para maestros y una aplicación multimedia.

 

Wilfredo Prieto, Walk, 2000, planta, tierra, fotografía y carretilla, dimensiones variables. Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York / Guggenheim UBS MAP Purchase Fund. Cortesía del artista y NoguerasBlanchard, Barcelona/Madrid

 Fuentes: Guggenheim Museum & Artishock

Perez Rubio, ex MUSAC, actual UTurn al MALBA

Reproducimos el comunicado de prensa recién emitido y nos comprometemos a publicar en breve una entrevista con el español Agustín Pérez Rubio sobre su diseño para el museo donde acaba de asumir como director artístico:

“Fundación Costantini anuncia el nombramiento de Agustín Pérez Rubio (Valencia, España, 1972) como Director Artístico del museo. Pérez Rubio, historiador y curador de prestigio internacional, será el máximo responsable de la colección y nuevas adquisiciones, el programa de exposiciones y la supervisión general de los programas de publicaciones, educación y extensión cultural, cine y literatura.

Eduardo F. Costantini, Fundador y Presidente de Malba, comenta sobre el nombramiento: “La incorporación de un director artístico responde a una mirada orgánica e integral de Malba. Se
trata de una decisión institucional estratégica para consolidar el futuro del museo y reforzar sus vínculos con el mundo, a través de una programación que se ponga en sintonía con los problemas y desafíos del siglo XXI. Sobre estas bases y luego de un exhaustivo proceso de búsqueda, el nombramiento recayó en Agustín Pérez Rubio por su vasto conocimiento académico y su visión del arte contemporáneo latinoamericano e internacional, junto a su gran capacidad de liderazgo y su trayectoria institucional en la gestión de colecciones de museo y coordinación de equipos de trabajo. También se destaca su experiencia en curaduría, educación e implementación de programas públicos innovadores”, concluye.
Pérez Rubio se desempeñó durante más de diez años al frente del MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León en España, primero como Curador en Jefe (2003 – 2008) y luego como Director (2009 – 2013). Más recientemente realizó proyectos expositivos como curador independiente. En este sentido, Perez Rubio ha cultivado una extensa red de relaciones con museos e instituciones internacionales, curadores, artistas y académicos.
Con este nombramiento, Malba cubre la posición de Director Artístico, que estaba vacante desde la salida de Marcelo E. Pacheco, quien se desempeñó como Curador en Jefe del museo durante diez años (2003 – junio 2013).
A trece años de la fundación de Malba, el ingreso de Pérez Rubio marca el comienzo de una nueva etapa, ya que su nombramiento forma parte de una serie de iniciativas internas para fortalecer la estructura del museo de cara a su futura ampliación y ayudar a la consolidación de un modelo institucional público y plural.
Como parte de esta estrategia, en los próximos meses también será nombrado un Director Ejecutivo, quien ayudará a Pérez Rubio a liderar conjuntamente la dirección del museo. Además, se creará un Comité Científico-Artístico, formado por destacados profesionales internacionales (curadores, críticos y directores de otras instituciones), que tendrá el objetivo de asesorar a la Dirección en la programación, la colección y las nuevas adquisiciones, a la vez que fortalecerá los lazos con otros museos.
Agustín Pérez Rubio afirma: “Me siento muy honrado de venir a la ciudad de Buenos Aires y formar parte de esta nueva e importante etapa de Malba, porque ha sido un museo que he visto crecer y que siempre ha sido un referente no solo en América Latina sino a nivel mundial. Poder trabajar con la magnífica colección que alberga, ampliar aún más su programa expositivo y sus fondos, además de diseñar conjuntamente el futuro que le espera, es todo un reto y a la vez un placer”, afirma.
“Para mí es fundamental que Malba, más que nunca, se integre en la ciudad y en el entramado artístico plural que América Latina alberga, ya que condensa una riqueza cultural inigualable en sus diversos campos. Estoy deseoso de poder comenzar a trabajar con esta importante institución, con su equipo y en colaboración con los demás actores de la ciudad”, destaca Pérez Rubio.
Tras este anuncio, Agustín Pérez Rubio comenzará a trabajar con el equipo de Malba en la programación general del museo, y a partir del 1 de agosto se instalará a tiempo completo en Buenos Aires”.

Hacia arteBA 2014: Toda la feria online

Entre las numerosas novedades que la feria incluye este año, se encuentra una página web desde la cual se pueden navegar todas las secciones: desde la sección principal hasta barrio joven pasando por UTurn y Solo show, entre todas sus expresiones y diversos compartimentos que la organizan y dan vida.
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Ubicado en este link https://artsy.net/arteBA, el archivo en la red funciona en varios sentidos: justamente como archivo, como ventana al mundo que no puede asistir, como referente para coleccionistas -ya que las obras también se pueden navegar por precio- y como visita virtual permanente y demorada en la comparación y apreciación de obras y de su cotización.

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Artsy/arteBA permaneceré en la red todo el año para poder seguir siendo visitado aún cuando la feria haya cerrado sus puertas y dispondrá de una actualización permanente desde la cual se podrán conocer las novedades postferia 2014 y el camino hacia la próxima edicion.