La previa de arteBA según un galerista que vende: Puro optimismo!!!!!

Nestor Zonana, director de Pabellón 4 y miembro activo de GALAAAC, cuenta en exclusiva para jaquealarte.com su estrategia de trabajo de este año:

“Las expectativas para esta edición de arteBA son buenas. En la peor crisis de Argentina, no me interesa nombrar fecha, me fue súper bien. Creo que la estrategia es hacer un buen trabajo, estar a disposición de los clientes y brindarles la información en tiempo y forma para que tomen la decisión de comprarte la obra.

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Manuel Archain, una de las apuestas más seguras de Zonana

Eso es esencial para que las cosas funcionen bien. Trabajar con artistas de mediana carrera también ante la crisis simplifica las cosas ya que el cliente no tiene que movilizar grandes sumas de dinero para comprar lo que en definitiva desea. Este año,ante los vaivenes del dólar y la economía, ninguna persona dejó de viajar o cambiar el coche:  supongo que el que puede sostener esta tipo de vida -que en definitiva es el cliente al que apunta mi galeria- también podrá comprar la obra que le interese para incorporar a su colección o simplemente para disfrutarla en el living de su casa con sus amigo y familia.
Luego de viajar continuamente por distintos países de América y Europa haciendo ferias con mis artistas una feria en Buenos Aires en PAN COMIDO, dejar de lado las aduanas los hoteles y los aviones es maravilloso y hasta incluso uno puede lucirse mas creo que es una gran oportunidad para todo galerísta experto en la materia.

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Natalia Revilla, de las nuevas adquisiciones más estimulantes de su staff

Este año salgo a la cancha con todo es a todo o nada. Obras de gran formato para clientes exigentes son parte del programa de mi galeria, mismo programa que se mostró en la pasada ART LIMA en Perú y que mostrare en SWAB la feria de Barcelona.
Siento que es un buen momento para Arte Ba tanto la organización como todos los que dia a dia somos parte de esta feria tenemos el compromiso, no estoy a favor de sembrar miedo ya que si todos hablamos de pesificar las obras los problemas de dólar y si es blu black or white es cuanto viejo. Todas las galerías que integramos GALAAC hemos tomado la decisión de pesificar la obra y el que quiera pagar en dólares Euros o Libras que haga sus cuentas.

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Otegui, reciente ganadora de la beca Pollock, la apuesta más segura y consolidada en valor de la galería

Para resumir mi estaratégia esta año es:
1) Obra pesificada
2) Obras de gran formato para compradores exigentes.
3) Mantener informado y atender al cliente con suma profesionalidad.
4) Repetir el programa en otras ferias internacionales.
5) Una buena estrategia de comunicación previa a la feria y post feria.
6) Preventa de obras”.

Claro, clarísimo. El lunes 27 veremos, veremos…Esperamos que tengas razón.

Cildo Meireles con nueva obra en Madrid

El artista brasileño Cildo Meireles (Río de Janeiro, 1948), galardonado con el  Premio Velázquez 2008,  expone a partir del 23 de mayo en el Palacio de Velázquez del Parque del Retiro de Madrid.

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Árbol del dinero, 1969

Esta nueva  muestra reúne más de cien obras entre instalaciones, dibujos, pinturas, esculturas y piezas sonoras es curada por João Fernandes, subdirector del Museo Reina Sofía, y luego viajará a la Fundação Serralves de Oporto y HangarBicocca de Milán.

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 ‘Marulho’, 1991-1997. Vista de la instalación en el Museu de Arte Moderna de Rio de Janeirocon motivo de la exposición “Arquipelagos – Aquisiçoes Essenciais” celebrada en 2002.

Cildo Meireles se sitúa a medio camino de la tradición brasileña neoconcreta de inicios de los años 60 y su propia generación, influenciada por las propuestas del arte conceptual y performance. Esta exposición reúne un conjunto de las instalaciones más relevantes de su trayectoria. Algunas de ellas no habían sido realizadas antes, como Amerikka; y otras se presentan por primera vez en España, como Olvido o Entrevendo.

imagen-cildo-meireles_0Cildo Meireles. Atlas, 2007. Transparencia montada sobre caja de luz. Colección del artista. Fotografía cortesia Lofoten International Art Festival – Noruega

Las piezas sobresalen tanto por su envergadura espacial, de espectaculares dimensiones, como por el empleo de la metáfora y la alegoría para abordar las posibilidades del arte.

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Los trabajos de Meireles, aparte de haberse presentado en varias ocasiones en importantes muestras internacionales como la Documenta de Kassel, o las Bienales de São Paulo y de Venecia, forman parte de diferentes colecciones de museos como es el caso de la Tate Modern de Londres, el Museo Serralves de Oporto, el Museo de Arte Moderno de Sao Paulo, el Stedelik Museum de Ámsterdam, el MACBA de Barcelona,  el ARTIUM de Vitoria o el Museo Reina Sofía de Madrid.

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Meireles visitó Buenos Aires en abril de 2012 con motivo de la muestra “Pop, realismos y política. Argentina-Brasil” que tuvo lugar en Fundación Proa que realizó la entrevista que publicamos.

“La clase” de Marcelo Brodsky a la Tate

Nicholas Serota, director de la Tate, envió una nota firmada de puño y letra al fotógrafo Marcelo Brodsky, anunciándole que la Tate Modern “tenía el placer de adquirir”su obra conocida como La clase, o Los compañeros o Foto de grupo. El nombre es algo más largo: 1er año, 6a división, foto de clase, 1967. Al menos así consta en la carta en la que Serota le transmite la buena noticia a Brodsky luego de que el comité de “trustees” aprobara la compra. Brodsky ofreció donar su foto El puente de la memoria, lo que fue aceptado con agrado.

2 brodkies podrán verse en breve en el museo que mira al Támesis.

Marcelo Brodsky - 1996

La obra comprada es una  fotofrafía de su división del Colegio Nacional de Buenos Aires, tomada en 1967, sobre la que  el artista escribió en 1996 una serie de textos manuscritos, referidos a la vida actual de cada uno de mis compañeros. Se destaca entre ellos los textos y círculos sobre los retratos de Claudio y de Martín,  sus dos compañeros de secundario desaparecidos durante la dictadura militar.  Lee en la página de Brodsky la historia de su foto más famosa. Menú, obras, número 4.

¡Felicidades, Marcelo!

Anish Kapoor abre en Berlin

A partir del viernes 18, Anish Kapoor realizará una  gran exposición individual en Berlín en la Martin Gropius Bau. La muestra  ocupará por completo la planta baja del centro (unos 3mil metros cuadrados), allí el artista de origen indio y nacionalizado británico, diseñó varias piezas de site specific , en tanto que el resto de la exposición exhibirá obras de sus últimos 30 años de trabajo.

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Desde sus primeras esculturas, elaboradas a partir de pigmentos pictóricos esparcidos sobre el suelo en formas simples, Anish Kapoor  desarrolló una obra  variada,  realizada en soportes como la piedra, el acero, el vidrio, la cera, el PVC que incluyereron desde objetos, esculturas hasta  instalaciones en los que las barreras entre pintura y escultura se difuminan.

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Entre las obras que se podrán  ver en Berlín se encuentra White Sand, Red Millet, Many Flowers (1982), en la que emplea pigmentos pictóricos, como venía haciendo desde los setenta, y evoca la cultura de su país de origen. También de la década de los ochenta data Wound, pieza formada por dos piedras cuyas caras internas Kapoor abrió para introducir en ellas un pigmento rojo que remite a lo orgánico. El corte continúa a lo largo de la parte frontal de la pared donde las piedras se unen para formar una V.

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Para el atrio neorrenacentista de la sala de exposiciones temporales de la Martin Gropius Bau, Kapoor, cuyos trabajos no encajan en ninguna categoría próxima al ready-made, ha diseñado una nueva escultura cuya forma y materialidad sólo podran descubrirse el día de la inauguración de la muestra, pero que, según ha declarado el artista, nos harán pensar en El Lissitzky y en Malevich.

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Algunos artistas en Proa: la contemporaneidad cercenada

Fundación Proa deja que espiemos los livings y sótanos de tres coleccionistas contemporáneos que compran obra de artistas que empezaron a producir a partir de los años 90 y siguen hasta hoy  y de otros que empezaron a crear en el medio de estos años.

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Miguel Harte. Empanada Criolla, 1988      
Óleo sobre poliuretano expandido y madera entelados   165 x 195 x 12 cm Colección Gustavo Bruzzone

La expo Algunos Artistas / 90 – HOY  presenta un panorama de las producciones de las últimas dos décadas con obras provenientes de las colecciones privadas del juez-coleccionista Gustavo Bruzzone y de los coleccionistas Alejandro Ikonicoff y Esteban Tedesco.

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Cristina Schiavi. La Torta, 1993 .Objeto 70 x 42 x 42.Colección Bruzzone

Siempre y cada vez, el recorte del gusto de tres tipos millonarios. Excelente idea la de Proa, ésta de nombrar a la muestra con estas palabras bien claras: “algunos artistas”, descontando que, sin duda, hay otros que no aparecen en sus muros y que son coleccionados por otros.

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Sandro Pereira. Lucky cat, 2010
Escultura 130 x 120 cm Colección Alejandro Ikonicoff

 Lo bueno es que  la Fundación  revela los gustos más o menos secretos, siempre cuestionables. de los coleccionistas elegidos para organizar esta muestra que ofrece un panorama de lo que compran con consecuencia aquellos que pueden. A mí me hubiese gustado ver otras colecciones colgadas, con gustos que apelan a otras sintonías: qué pena no ver la maravillosa colección de Ignacio Liprandi o las compras de Mauro Herlitzca, descubridor de los ahora cotizados textileros Chiachio&Giannone.

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 Sandro Pereira. Lucky cat, 2010 Escultura 130 x 120 cm Colección Alejandro Ikonicoff

Dice la gacetilla de Proa: “La colección de Bruzzone comprende un patrimonio sobre los años 90, con obras seleccionadas para la exhibición por Rafael Cippolini. Esteban Tedesco reúne los primeros trabajos de numerosos artistas de principios de la década de 2000, elegidos por Ana Gallardo. La colección de Alejandro Ikonicoff nos trae al presente, con producciones de los últimos años seleccionadas por Cecilia Szalkowicz y Gastón Pérsico. Algunos Artistas / 90 – HOY presenta obras, documentos y fotografías, y propone investigar las relaciones entre coleccionistas y artistas de una misma generación, sus primeras obras y sus comienzos”.

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Jorge Gumier Maier. Sin título. El Primero, 1991 
Pintura acrílica sobre tabla con marco calado       
149 x 160 cm. Colección Gustavo Bruzzone

Desde mañana sábado a partir de las 5 de la tarde, la hora lorquiana, la hora de la verdad.

Ponerle pecho a la vida

Pasan dos cosas. Marsella es la ciudad de la cultura europea durante todo este año. Pasa también que la semana pasada comenzó en Francia el juicio de un amplio grupo de mujeres de todo el mundo contra la corporación Poly Implant Prothèse (PIP), tercer suministrador de prótesis mamarias, prótesis que resultaron nocivas para todas esa mujeres que quisieron ponerle más pecho a sus vidas.

En este cruce, surgió la instalación -performance de la artista francesa, Camille Lorin, que fue visible en la piscina Frais-Vallon de Marsella este sábado, todavía por única vez. Probablemente, dada su trascendencia y éxito, vuelva  a repetirse durante el año.

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La cosa fue así. Lorin usó 300 prótesis mamarias  para su obra y las colocó suspendidas del techo, colgando de medias de red que sirvieron tanto de soga como de envoltorio.

Llamó a su obra PIP Show probablemente no sólo porque coincidía con la sigla de la corporación inescrupulosa y ahora cuestionada, sino también porque “peep” -en inglés pronunciado “pip”- significa espiar y es a su vez un servicio que toman muchos señores para contratar mujeres a las que observan sin tocar y a través de un vidrio para que ellas hagan con sus manos las cosas que el señor no se atreve. Hablo de los Peep rooms.

“Las medias de rejilla son un atributo femenino, y al mismo tiempo algo frágil, que puede romperse”, como se rompieron las prótesis PIP en el interior de las cinco mil doscientas cincuenta mujeres querellantes, partes civiles en el proceso, explicó la artista a la agencia AFP.

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“La idea es el encierro en el que se encuentran las mujeres para corresponder a los cánones de belleza que la sociedad les dicta”, añadió la artista. Es una forma de “acceder al modelo femenino occidental”, lo que tiene un aspecto “alienante”.

Lorin, de 32 años afirmó querer lanzar “una mirada sobre una época que nos dibuja y nos deforma”.

Y yo agregaría que también nos mata.

Se calcula que más de 300 mil mujeres en todo el mundo fueron afectadas por estos implantes defectuosos en su intento de ser más bellas y más deseables. Ahora sólo estarán más enfermas.

Las falsas tetas ahorcadas de Camille Lorin son una metáfora brutal y uso la palabra brutal en todos los sentidos que esta pueda tener.

El pescador que pintaba mundos excéntricos

Con una frase aproximada a la del título de esta nota la crítica del NYTimes Roberta Smith se refierió a obra de Forrest Bess cuando se exhibió el año pasado en el Whitney Museum.  La Menil Collection de Houston abre hoy la primera retrospectiva que un museo dedica a Bess en los últimos veinte años, una muestra que incluye cuarenta y ocho pinturas del artista fechadas entre 1946 y 1970 y procedentes de colecciones privadas estadounidenses y europeas, del MoMA, el Whitney Museum, elMuseum of Contemporary Art de Chicago, el Museum of Fine Arts Houston y la propia Menil Collection.

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En vida experimentó tanto el caluroso reconocimiento como un doloroso aislamiento y tras su muerte, en 1977, su fama internacional ha mantenido esos altibajos, pero en los últimos meses es de nuevo objeto de estudios entusiastas sobre su obra en Estados Unidos, sobre todo desde que el año pasado, en el marco de la Bienal de Whitney,Robert Gober presentara bajo su comisariado la muestra “The Man That Got Away”, que trataba de iluminar algunos de los puntos más oscuros de la vida y la obra de Forrest Bess.

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La figura y la producción de Forrest Bess siempre se han asociado a la ciudad de Houston, donde trabajó en su primera etapa, y a su Contemporary Arts Museum, que de la mano de John y Dominique de Menil se convirtió en uno de los primeros centros en mostrar sus trabajos. No es casualidad por ello que esta amplia retrospectiva sea organizada ahora por la Menil Collection (en septiembre viajará al Hammer Museum y en enero al Neuberger Museum of Art).

lg72 Nacido en la ciudad texana de Bay City en una familia completamente ajena al arte, aprendió a pintar copiando ilustraciones de libros y revistas y más tarde imitando bodegones y paisajes de artistas a los que admiraba, entre ellos Van Gogh. Al parecer, desde su infancia experimentó alucinaciones intensas que le intrigaban tanto como le asustaban y que, unidas a la conciencia de su homosexualidad, le llevaron a sumergirse en el estudio de la psicología, la literatura, la filosofía, la antropología o la religión.

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Tras un periodo de inactividad a raíz de las traumáticas experiencias que vivió durante su reclutamiento en la II Guerra Mundial, Bess volvió a pintar en 1946 a modo de terapia, pero su modo de vida no fue el arte durante los años siguientes, sino la pesca. No obstante, en temporada baja y por las noches, leía con fruición, escribía y pintaba, dando lugar a un buen número de lienzos de enigmático simbolismo.

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Pese a su aislamiento, llegó a conocer sus trabajos el marchante de Nueva York Betty Parsons, quien consiguió que Bess expusiera en seis ocasiones de forma individual entre 1949 y 1967, y también logró el apoyo de Meyer Schapiro.

Desde 1967 su obra no volvió a exponerse hasta 1981, cuando el Whitney le dedicó una retrospectiva, así que el artista nunca vio cumplido su sueño de mostrar sus pinturas junto a sus escritos y bocetos. Obsesionado por aunar en su personalidad lo masculino y lo femenino en una pretensión de resonancias leonardescas, llegó a operar sus genitales para convertirse, según relata Gober, en pseudo-hermafrodita, experiencia que se hizo presente en su obra y en la muestra que Gober curó.

Fuente masdearte.com ©

Ron Mueck, el escultor de las grandes cosas que te hacen sentir pequeño

Abrió ayer martes 16 de abril en la Fundación Cartier de París una muestra que lleva el nombre del gran escultor australiano Ron Mueck y que, por si hay alguna duda, exhibe las originalísimas esculturas del artista.

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Mueck es grande en el sentido de que es un gran artista y es grande lo que hace, es enorme. Para apreciar la hiperhiperhiperrealismo de sus esculturas, deben verse en escala, observarlas con una persona delante. Es el único modo de tener una dimensión de lo que esta enormidad produce. Amante del detalle, sus personajes son tomados de la vida cotidiana y captados sin piedad. Grandísimos o pequeñísimos, siempre impactantes.

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Ser escultor no fue la primera opción para esta artista nacido en Melbourne en 1958 que hoy vive y crea en Londres en un pequeño estudio donde elabora lentamente cada una de sus obras. Comenzó trabajando en la realización de efectos especiales para el cine y la tevé -fue el creador de los muñecos de Sesame Street, créanlo,- y luego hizo animatronics para publicidad. El galerista Carlos Saatchi -¡¡cuándo no!!!- lo descubrió y comenzó a coleccionar sus obras. Y de allí su carrera como artista no se detuvo y dejó atrás sus trabajos iniciales en la tele. Aquí el ojo de Saatchi fue muy sabio, hay que reconocerlo.

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Mueck usa silicona y acrílico para crear sus piezas porque estos materiales permiten una alta maleabilidad, sin embargo en sus obras monumentales se destaca un gran dominio técnico que se percibe en las expresiones de sensibilidad con las que dota a sus hombres y mujeres. De hecho, una de las cosas que más incita el trabajo de este creador es apreciar el detalle -como se dijo-, escrutar las arrugas, pelos y ojos de las figuras.Su obra nos convoca a detenernos en una experiencia de larga contemplación. Para mí, siempre fascinante.

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La muestra en Cartier es la más importante del artista en Europa y se extenderá hasta septiembre de este año, comprende seis grandes esculturas muy conocidas de Mueck pero también obras creadas para la ocasión.

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Por lo demás, una película realizada por Gautier Leblond,  fotógrafo oficial de la obra del australianosobre el trabajo de Mueck se estrena en la Cartier junto a la muestra de este tipo tan minucioso como genial.

No te pierdas el making of de la expo:

F4 reúne inéditos de Bosch, Grossman, Lestido & Pintor en el Palais de Glace

Afirma Oscar Smoje, director del Palais de Glace de F4, la exposición que podrá verse a partir del 23 de abril: “Esta muestra podría haber reunido la obra de cuatro importantes artistas de la fotografía y sólo por eso sería espectacular. Algo así como Bosch/Grossman/Lestido/Pintor: cuatro fotógrafos en foco. Pero esta exposición es aún más impactante: el conjunto de fotografías exhibidas tiene la particularidad de que son inéditas. Todos los fotógrafos involucrados me permitieron elegir obras que nunca antes habían sido expuestas. Y en esta elección tuve una libertad sin límites. Aprovecho entonces esta ocasión para expresar públicamente mi gratitud a los artistas.

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Carlos Bosch, 01/2009, toma digital, copia digital, 70 x 49 cm

‘Yo no sé si lo que hago es bueno o malo’, me dijo Oscar Pintor mientras me mostraba todo su archivo. Al ver el conjunto de fotografías exhibido ante mí, no pude dejar de relacionar su decir con el de Francis Bacon (el filósofo, no el pintor): ‘Si un hombre empieza con certezas, terminará con dudas; pero si se contenta con empezar con dudas, terminará con certezas’. Ese ejercicio permanente de la duda de Pintor lleva a la certeza. Y la verdad está en estas fotografías. Viajero, Oscar me confesó que las mejores fotografías las hace cuando viaja, ya sea dentro del país o en el extranjero, en una ciudad o en medio de la naturaleza, con personas o sin ellas. Aquí se exponen varias series que las nombraré tal como él me las mencionó: ‘Nocturnos’ (“Buenos Aires no me invita a hacer fotos de día”, se lamenta), ¡Zonda’ (tomadas en San Juan, su provincia natal) y fotografías donde se destacan las imágenes de personas reflejadas en objetos, y las de objetos inanimados que cobran vida.

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Oscar Pintor, Ventana, 2011, toma directa digital, 40 x 53 cm

Los ocho trabajos exhibidos de Adriana Lestido son producto de un viaje soñado: ella llegó a la Antártida en el viaje anual del rompehielos. Estas imágenes panorámicas, tomadas durante el transcurso del último verano, nos acercan con calidez a la gélida blanca inmensidad que habitan un puñado de hombres y mujeres que cuidan lo menos contaminado de este mundo.

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Adriana Lestido, Bahía Luna, Antártida, 2012, fotografía analógica, inkjet print, 100 x 57 cm

Eduardo Grossman es un caminante que registra con su cámara todo lo que ve a su paso. Quizá esto se deba a su pasado como reportero gráfico, y algo de esa experiencia se ve en las fotos. Una vez seleccionada la obra que aquí se expone, Eduardo me comentó: “intento que mis fotos se alejen lo más posible de la anécdota o de la metáfora, que la imagen funcione con la mayor pureza posible, de manera que el espectador tenga la posibilidad de leerla con sentidos que yo no imponga”. Estas imágenes son un muestrario de ello, pues presenta fotos de archivo de distintas épocas. El conjunto aquí reunido permite apreciar su mirada sobre la realidad, una mirada que reverbera imágenes que van más allá de su intención como fotógrafo.

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Eduardo Grossman, Autorretrato, Miramar, 2012, fotógrafía digital, 50 x 50 cm

Finalmente, Carlos Bosch expone ‘Gilda’. Se trata del relevamiento fotográfico de la enfermedad de su madre hasta su muerte. Aquí es interesante hacer notar cómo la técnica fotográfica está al servicio de la documentación. Pero si así es como nació la fotografía (como “registro documental”), bajo la mirada de Bosch la técnica fotográfica también se transforma en arte. Si esta serie de fotografías a los que sólo somos expectadores nos conmueve, apenas podemos llegar a tener una idea de lo que significó para este artista de la fotografía retratar a su propia madre.

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Carlos Bosch, 01/2009, toma digital, copia digital, 70 x 49 cm

La variedad de fotografías aquí exhibida refleja la coherencia de cada uno de los artistas y la continuidad con su propia obra”.

En P0sadas 1725, CABA. Martes a viernes de 12 a 20 hs. Sábados y domingos de 10 a 20. Entrada libre y gratuita.

Decur y su universo paralelo en Mar Dulce

La exquisita galería Mar Dulce ubicada en Palermo Soho y especializada en obras de pequeño formato es una obra en sí misma, como reconocemos por unanimidad todos los que pisamos su territorio breve con su jardín de plantas tupidas, sol y estrellas , según la hora del día. En esta oportunidad  se expone la obra del rosarino Guillermo Decurgez aka Decur, desplegada en la muestra llamada Universo paralelo.

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Es notable la reflexión que realiza la curadora y galerista, propietaria de la galería junto a Ral Veroni, Linda Neilson, sobre el concepto de lo parelelo: “Cuando se habla de universos paralelos se piensa de inmediato en teorías de física cuántica o en mundos de ciencia ficción o sobrenaturales, pero pocas veces se indaga sobre un lugar más lógico para su existencia: el interior de un artista.

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El Universo Paralelo de Decur, es, sin dudas, deslumbrante -sigue Nielson, evidentemente fascinada por la muestra que propone-. Decur recrea sin darle respiro a su imaginación un sinfín de personajes que no solo se destacan por sus apariencias entrañables, queribles, frescas y únicas, sino también por esa sensación de estar escapando del lienzo, como si el límite entre ese mundo y el nuestro fuera mucho más frágil que una fina capa de pintura.

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La obra no es un plano inmóvil, sino un cosmos que respira, donde se cruzan miles de historias, de narraciones, a las que les sucederán otras, de manera infinita. En el universo “decuriano” uno se involucra, se funde con el dibujo, hace un trueque tácito con lo que tiene delante de sus ojos, dando su atención a cambio de una aventura trepidante. Hermanados con el corazón y el espíritu, aventurados a desentramar los senderos secretos que recorren esos relatos silenciosos que se tejen entre los colores y trazos, qué regalo para nuestros sentidos”.

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La muestra puede visitarse hasta el 20 de abril y este sábado 13 el mismo Decur se hará presente en la galería  de 16 a 19 para firmar ejemplares de su libro Merci  y para presentar  su nuevo juego de mesa, Maldón, ambos a la venta  por 60 y 180 pesos respectivamente.

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Otra manera de declinar los universos paralelos que se clavan en la ya mítica pared blanca de Mar Dulce en la que está colgada esta muestra donde nacen personajes preciosamente híbridos y fantásticamente familiares.

Visitala este sábado y si te lo perdés, de martes a domingos de 13 a 20 en Uriarte 1490.