Los inconformistas de Martin Parr

Desde hoy el Centro de la Imagen La Virreina de Barcelona presenta Martin Parr. Los inconformistas, serie de imágenes que el fotógrafo británico llevó a cabo en los pueblos textiles de West Yorkshire y sus habitantes a mediados de la década de los setenta.

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En 1975, cuando acababa de finalizar sus estudios en la Escuela de Bellas Artes, Parr quiso fotografiar Hebden Bridge, una pequeña localidad del condado inglés de Yorkshire con el objetivo de documentar su forma de vida característica y tradicional, que en aquellos años comenzaba a decaer en favor de la emigración a los núcleos urbanos.

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Susie Mitchell, que se convertiría después en su mujer, se unió a él en el empeño y comenzó a escribir sobre los lugareños, las comunidades rurales y una iglesia metodista que el artista fotografió en repetidas ocasiones durante cinco años. Entre los dos desarrollaron un documento visual y escrito excepcional que sorprenderá a los conocedores de la obra del fotógrafo inglés y gustará a los aficionados al formato de reportaje tradicional.

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El título de la muestra, Los inconformistas, alude a las iglesias metodistas y baptistas predominantes en esta zona de Yorkshire y define el espíritu independiente de su población. En estos trabajos, Parr quiso dar fe de la vida cotidiana de los trabajadores de las fábricas textiles, los mineros de las minas de carbón, los granjeros de las montañas y los criadores de palomas.

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Como imágenes de sus primeros años, estas piezas no ofrecen aún la crítica social que dominará sus fotografías posteriores sobre el ocio, el turismo y la sociedad del consumo; más bien festejan la individualidad de la gente y sus diferencias en una búsqueda de lo excéntrico y lo excepcional. Su blanco y negro contrasta con el cromatismo del que Parr se serviría desde 1984 como pionero de la fotografía documental en color.

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La ulterior producción del británico, miembro de Magnum desde 1994, se caracterizará por el sentido del humor y la ironía de su mirada sobre el estilo de vida y las costumbres de la gente corriente en su país. En sus palabras: en Inglaterra tenemos una marcada conciencia de las clases sociales, pertenezco a la clase media y esa es mi sensibilidad. También aporto mis características inglesas: creer en la ironía y la insinuación. Creo en la expresión de la ambigüedad a través de la fotografía, la capacidad de expresarla en una sola imagen.

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En definitiva, el humor es para Parr, amante de los clichés y de lo que tras ellos se esconde, su vía para salvarse del ridículo y la decadencia en la vida diaria.

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La exposición de La Virreina reúne 75 fotografías que el fotógrafo inglés realizó en Hebden Bridge, Crimsworth Dean y otros pueblos de West Yorkshire entre 1975 y 1980. Puede verse hasta el próximo 27 de julio, ha sido comisariada por Emily Adams y constituye el preludio de la visita a Barcelona de Parr el 11 de junio para pronunciar la conferencia inaugural de la IV edición del Ojo de Pez Meeting Barcelona, el encuentro internacional de fotógrafos organizado por La Virreina y La Fábrica del 11 al 13 de junio.

Phyllida Barlow invitada de honor en la Tate Britain

La veterana escultora británica Phyllida Barlow presentó el 31 de marzo en la Tate Britain de Londres la que calificó como su muestra más ambiciosa; se refería a Dock 2014, una muestra  compuesta por obras de gran formato diseñadas específicamente para ser exhibidas en las Duveen Galleries, espacio donde el museo presenta sus proyectos comisionados.

Phyllida Barlow. Dock 2014

Esta exposición está organizada en colaboración con Sotheby’s e incluye siete esculturas que evocan los muelles de la capital británica y conectan con la céntrica ubicación del museo a orillas del Támesis o se inspiran en elementos como los contenedores que los barcos transportan a lo largo del río, obligando al público a buscar un pasadizo para observarlas. Algunas llegan a medir hasta doce metros de altura.

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Con décadas de carrera en su haber, Barlow es una de las escultoras británicas con mayor proyección internacional, adquirida sobre todo a partir de esculturas sobre entornos urbanos realizadas con materiales que suele reutilizar.

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En esta muestra explora, sirviéndose de varios elementos de madera colocados en el suelo o colgados del techo, la potencia expresiva de la contraposición de los interiores cerrados de la Tate y la apertura y continuidad del río, en el exterior.

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Los materiales de las piezas son baratos y reutilizables, como es habitual en su producción. Sus diseños en madera, metal, poliestireno, lienzo o cuerda ofrecen un interesante contraste con la arquitectura neoclásica de la Tate Britain.

Mirá  el video del montaje de las monumentales esculturas narrado por la artista

Fuente: Tate Britain

 

Nace Té de obras: el Mercado Libre del arte argentino contemporáneo

Por Tomás Rawski*
¿De qué vive un artista hoy en Argentina? Esta pregunta, seguro, fue uno de los inicios de Té de obras, un sitio donde los artistas suben sus obras de arte y las pueden vender al precio que quieran, sin que nadie les cobre comisión. Compradores y artistas se ponen de acuerdo sin intermediarios.
Ya sabemos cómo es el sistema de arte que está instaurado a nivel nacional y provincial y seguro que, si sos artista en Argentina, estás bien informado de toda la situación actual. Sabés que cuando hay una muestra nadie paga un flete, pero el pintor, el diseñador, el curador, el carpintero, etc … todos cobran por su trabajo.
Mientras escribía esta nota me acordé de una frase de un tal Fuller (según Wikipedia) que inspiró a la creación de este sitio: “No intentes cambiar un sistema, construye uno que deje obsoleto el anterior”.
Creo en la realización de un nuevo medio que intente llenar el espacio vacío que hoy tiene el arte Argentino con los artistas locales.
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Para esto me propuse tres puntos como pilares: Romper el tabú de cuánto vale una obra de arte, darle al artista un sistema útil y que le sirva para poder hacer circular su obra y hacerlo simple para el comprador.
Si alguien vende una obra puede donar (o no) un porcentaje y, luego de 10 donaciones, se hará una compra por ese monto acumulado a un artista sorteado que nunca vendió en el sitio. De igual modo se sorteará por Facebook la obra.
En la primera semana que salió el sitio ya hay mas de 50 artistas y más de 400 obras. Estas van desde 250 hasta 30.000 pesos argentinos.
El funcionamiento de la web es muy parecido a Flickr, Facebook o Tumblr, solo tienen que registrarse con su email y luego subir las obras con precio, categoría, medidas y alguna descripción.
Luego cada artista tendrá una web personal  que podrá pasarla a quien quiera. Finalmente, una especie de Mercado Libre del arte.
En la pagina principal, la cual invito a visitar. hay diferentes tipos de filtros para poder ver las obras.
Actualmente, en Proa está la muestra de Joseph Beuys con un texto -“La educación como arte”- y me gustaría que la página web sea un enseñanza para instalar ideas mas igualitarias, libres, abiertas y no competitivas en el arte. — Mi granito.
*Rawski es creador y gestor de la web Té de obras

Joseph Beuys en Proa: La muestra del año

Por Patricia Rizzo

Joseph Beuys, considerado uno de los artistas fundacionales de la contemporaneidad se exhibe en la Fundación Proa con un extenso y variado corpus de obras. Una muestra que ofrece la oportunidad de aprender tanto de su producción como de los mecanismos artísticos y conceptuales que entrecruzan lo contemporáneo; la clase de artista que nos obliga a interrogarnos y a pensar en lo que ocurre a nuestro alrededor, por qué y para qué el arte. Su rotunda presencia y su gran originalidad pronto le otorgaron fama internacional en los años sesenta pero su influencia no deja de sentirse hoy.

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La posibilidad de ver y dejarse impregnar por la obra de Beuys (1921-1986) resulta un gran logro para el circuito local cada vez más interesado en el arte contemporáneo. Joseph Beuys, Obras 1955-1985 ofrece una selección ajustada, que incluye varios de sus trabajos más representativos. Una de sus obras más importantes Cómo explicar obras de arte a una libre muerta acción realizada en 1965 en la galería Schmella de Dusseldorf y la que usualmente sólo se conoce por algunas fotografías y comentarios en diversos libros, se despliega en un video que permite apreciar su verdadera complejidad. Ubicada en la Sala 1, ya en la apertura de la exhibición, esta obra puede considerarse un aporte capital al arte del siglo XX por su audacia en la puesta y por su explícito contenido ligado a la espiritualidad, en una instancia en la que clarifica el compromiso del artista, involucrado en su obra a partir de sí mismo con su acción y pensamiento, el que influiría prácticamente a toda realización artística visual y conceptual posterior.

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Traje de fieltro de dos piezas; 170 x 100 cm.

Ciertos elementos característicos en su producción, trajes de fieltro, grasa, trineo, sombreros, se pueden apreciar en la Sala 2. Para comprender la significancia de algunos de ellos, no está de más recordar que Beuys fue llamado a filas con diecisiete años y participó en la Segunda Guerra Mundial a partir de 1941. Herido en un accidente aéreo, fue rescatado y curado por un grupo de tártaros nómadas que le aplicaron ungüentos en forma de grasas y le dieron abrigo cubriendo su cuerpo con fieltro. Todo lector puede intuir lo que este trance supondría para el artista.

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Trineo de madera, manta de fieltro, cinturón, linterna y escultura de grasa; 35 x 90x 35cm

Cuatro años más tarde, en 1947, ingresaría en la Kunstakademie de Dusseldorf y comenzaría a producir en una línea de marcada espiritualidad y rigor religioso.  Estos elementos se encuentran junto a otra de sus acciones fundamentales: Eurasia, (1967).

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La Zappa, 1978 (Zapa o Azada)

En ella se unen elementos fundamentales de su historia personal y de la situación política de Europa en la post guerra, situación vista con gran lucidez por el artista, nacido en Alemania, entonces epicentro de esa tensión. El conjunto de trabajos agrupados como Democracia son también parte sustancial de su pensamiento y sobre como debe organizarse según su perspectiva el complejo sistema social.

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Zapa forjada a mano con mango de madera de olivo; 88 x 22 x 7cm

De la Sala 3, se pueden destacar dos trabajos: Dillinger (1974/1979) donde se evoca al famoso gánster John Dillinger (1903-1934) ladrón de bancos. Estas obras fueron armadas a partir de billetes de dólar americano, las que no esconden la crítica ideológica al sistema monetario imperante. En simultaneidad, otro poderoso video sobre la acción Me gusta Estados Unidos y a Estados Unidos le gusto yo (1974) donde puede verse a partir de fragmentos al artista convivir con un coyote en una jaula durante una semana.

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Me gusta Estados Unidos y a Estados Unidos le gusto yo (1974)

En esta acción, Beuys ensaya un conjunto de rituales chamánicos donde intenta la permanente comunicación con el animal. La Sala 4, nos ofrece una visión sobre otra parte fundamental de su corpus de obra, que es la defensa de la naturaleza. Salven los bosques (1972) resultaría anticipatoria de su conocida mega acción, realizada en la Documenta 7, Kassel (Alemania) realizada en 1982, en la que proyectó plantar 7.000 robles. La misma sala alberga otro grupo de trabajos relacionados con Energía y Chamanismo.

Fundamental por muchas razones, para ver más de una vez, en soledad y no tanto. Una muy buena selección de un artista fundamental y fundacional, que ayuda a entender la producción contemporánea.

 

 

 

 

Nicaragua y su Bienal de Arte: Reciclando la Memoria, retomando la ciudad perdida

La novena edición de la Bienal de Artes Visuales de Nicaragua, curada por Omar-López Chahoud, se celebra por primera vez de manera simultánea en Managua, capital de Nicaragua, y en las ciudades de León y Granada. El tema de la Bienal es Reciclando la Memoria: retomando la ciudad perdida, e induce a una nueva lectura de los acontecimientos que marcaron el rumbo de la historia reciente del país.

La mayoría de la población nicaragüense es menor de 40 años, por lo que tiene una memoria muy corta y no le tocó vivir sucesos que realmente marcaron el destino de la mayoría de los habitantes mayores de ese rango de edad, y que tuvieron repercusión en todos los estratos de la sociedad. En particular, Managua, ha sido arrasada en tres ocasiones por tres terremotos: 1885, 1931 y 1972. De ella, solo queda el recuerdo en la memoria de los que la vivieron intensamente. Entre 1977 y 1979, se vivió en todo el país una época de agitación constante que desembocó en el derrocamiento de la dictadura somocista, establecida en el país desde 1937. Los años de la Revolución (1979 – 1990) marcaron irreversiblemente las vidas de los que se quedaron a vivirla y de los que se fueron al exilio.

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Esta edición de la Bienal quiere reivindicar la memoria de esa ciudad que un día fue, y al mismo tiempo regenerala con ayuda de artistas contemporáneos que aporten respuestas nuevas, actuales, frescas, justas y cargadas de esperanzas renovadas.

Entre los artistas nicaraguenses que participan en la IX Bienal de Artes Visuales de Nicaragua están: Marcos Agudelo, Darwin Andino, Fredman Barahona, Carlos Barberena, Ernesto Cardenal, Cristina Cuadra, Alejandro de la Guerra, Adrede – EspIRA, Milena García, Maruca Gómez, José González, Claudia Gordillo, Ricardo Huezo, Darling López Salinas, Juan Carlos Mendoza, José Montealegre, Consuelo Mora, Moisés Mora, Luis Morales, Raúl Quintanilla,Ernesto Salmerón, Marisa Tellería, Leonel Vanegas y Kelton Villavicencio. Por lo que respecta a los artistas internacionales, cabe destacar entre ellos la presencia de los latinoamericanosJoaquín Segura (México), Teresa Margolles (México), Danny Zavaleta (El Salvador), Victor Rodríguez (El Salvador), Silvia Zayas (España), Javier Tellez (Venezuela) e Irvin Morazan (El Salvador).

Fuente: Fundación Ortíz Gurdián

Alicia Framis: Arte para tocar

Gritos que se convierten en tazas, sushi a cambio de sangre, vestidos a prueba de bombas… así es la muestra de Alicia Framis.

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Al revés de lo que sucede en otros museos, donde lo prohibido es tocar las obras expuestas, en la nueva muestra que presentó este sábado el Musac leonés, la consigna es otra: tocarlo todo e interactuar con las piezas de la manera más intensa posible. Así, una máquina convierte los gritos del visitante en tazas de formato único (como única es también cada voz humana) gracias a la magia de la impresión 3D, la donación voluntaria de sangre recompensa al solidario donante con un plato de delicioso sushi, y una serie de vestidos a prueba de balas y colmillos perrunos están colgados de sus perchas a la espera de que alguien decida probarse tan elegante —y segura— indumentaria.

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Se trata de Framis in Progress, la exposición que repasa los veinte años de trayectoria creativa de la siempre sorprendente y amante de los retos Alicia Framis (Barcelona, 1967), artista que ayer se encargó de hablar de su retrospectiva junto al director del Musac, Manuel Olveira, y al director de Políticas Culturales de la Junta, José Ramón Alonso. Olveira recordó que la exhibición gira en torno a tres temas principales: «Un primer bloque de arquitectura social, en el que Framis ofrece sus propias soluciones a los problemas que plantea el tipo de vida actual» —también interactiva, dado que cualquier persona interesada en sus imaginativas propuestas puede imprimir los planos y llevárselos a casa—, «otro llamado Fashion & Demostration, donde el lenguaje de la moda es empleado para denunciar hechos como la violencia ejercida contra la mujer, el comercio infantil o determinadas condiciones de vida en China», y por último, un tercero «centrado en los deseos» —aquí Framis abre al público un gran panel donde cada uno puede escribir los propios deseos con tinta invisible, entre otros desahogos, como enviar cartas al cielo—.

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Los intervinientes hicieron hincapié en lo participativo de la exposición y del nutrido calendario de performances que la acompañan —para otra, Framis ha ‘reclutado’ a cinco parejas de gemelos leoneses con objeto de que acompañen a las personas que acudan solas a la muestra—. La creadora barcelonesa relexionó sobre sus propias motivaciones y dijo que busca combatir la idea «de que el arte es algo sagrado y hermético», por lo que creó estas obras «pensando en mí misma como estudiante, en qué me gustaría a mí ver de Alicia Framis». Además, recordó su muy especial relación con el Musac, por ejemplo su máquina de sangre por sushi fue mostrada (y adquirida) por el museo en 2006.

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Apasionada, divertida, convencida de que a la gente le va a «encantar» la muestra, Framis paseó a continuación por las salas — para explicar a los medios de comunicación más detalles de la misma. Así, la artista que ganó el Premio Roma por reunir en una plaza holandesa a 175 castellers habló de la larga serie de cascos sobre la que planea la lista de presos de Guantánamo (en esta acción cuenta con la colaboración del artista leonés Eduardo Fandiño), y de unos diseños muy peculiares con los que el hombre de hoy en día puede trasportar a su bebé y a la vez ir a trabajar a la última moda, y otros en los que alumnos de moda de León y Burgos convierten en vestidos femeninos la bandera de la República Popular China.

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La sorpresa, lo inesperado, la denuncia agazapada bajo la vistosidad o el asombro… son rasgos de esta colección de piezas, performances y audiovisuales comisariada por Mirjam Westen y que podrá contemplarse hasta el próximo 1 de junio en las salas 2 y 3 del Musac.

Fuente: El Diario de León

Llegan los brits: Kevin Cummins en el Borges de Madonna a Morrisey

UltraBrit, el único medio argentino especializado en cultura británica, celebra su primer año de vida con un ciclo que recupera lo mejor de la cultura del rock inglés y lo acerca al público de Buenos Aires con una serie de eventos que giran alrededor de la presencia del aclamado fotógrafo inglés Kevin Cummins.

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Cummins es considerado uno de los fotógrafos y retratistas de música más reconocidos del mundo. Sus fotografías crudas y poco artificiales de la movida de Manchester son un documento histórico para generaciones de fotógrafos, y su lente inmortalizó a bandas legendarias como Joy Division, The Smiths y Morrissey, Happy Mondays, The Stone Roses y New Order, como parte de lo que generó a su alrededor la disco The Factory, pero también pasaron por su lente los hermanos Noel y Liam Gallagher, Madonna bailando en uno de los pilares de strip tease en The Hacienda, y como buen fanático del Manchester City, más recientemente retrató a los argentinos Carlitos Tevez y el Kun Agüero.

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Durante 10 años Cummins dirigió el departamento de Fotografía de New Musical Express, la revista semanal de rock más grande del mundo, y sus fotografías premiadas fueron un factor de gran contribución al crecimiento de la escena musical de Madchester y Cool Britannia. Su trabajo puede verse en numerosas portadas de vinilos y libros, y contribuye con publicaciones de todo el mundo. También trabaja regularmente con el Teatro Nacional de Londres.

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Desde mañana , lunes17 de marzo y hasta el 6 de abril, el ciclo Manchester en Buenos Aires realizará una muestra con las 60 imágenes más emblemáticas de Kevin Cummins en el Centro Cultural Borges.

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bandCon la visita de Kevin Cummins en Buenos Aires se le brindará tributo a la ciudad de Manchester como usina cultural. Desde la agonía de Joy Division, pasando por el esplendor de la Hacienda, hasta la demagogia de Oasis. Manchester ocupa un lugar especial en la historia de la música y Cummins estuvo ahí para documentarlo todo.

 

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El talentoso fotógrafo es considerado una figura clave dentro de la cultura rock. Su mirada logró capturar de manera cruda y sin artificios a los protagonistas que rompieron los moldes de lo establecido, como Joy Division, New Order, The Smiths y Morrissey, Happy Mondays, Sex Pistols, The Stone Roses, Inspiral Carpets y Buzzcocks. Cummins supo retratar como nadie esos momentos únicos del auge y decadencia de toda una ciudad consagrada a la música como expresión de vida.

Señora de la limpieza destruye en Italia “obras de arte” al confundirlas con basura

Anna Macchi, empleada de limpieza, destruyó en un exceso de escrúpulo las obras de una muestra en un espacio de arte de Bari y se convirtió en la última protagonista de una serie de artistas sin conciencia de ser tales, de autores de acciones que alimentan el debate en torno al  lenguaje del arte contemporáneo respecto al punto de vista del público no acostumbrado a ver estos trabajos, considerados “arte”.

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Las obras de la muestra ‘Display Mediating Landscape’ termi naron en el contenedor de la basura al ser confundidas con…basura. Esto sucedió en la sala Murat de la Plaza del Ferrarese en una muestra organizada por el Flip de Nápoles.

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Macchi, protagonista inconsciente de este suceso que roza el escándalo y el chiste, pensó muy bien en recoger los cartones que formaban parte de algunas de las obras, hechos con materiales cotidianos, y los tiró directamente en contenedor de Amiu, la empresa de la basura que en este momento, a las 5 de la mañana, estaba realizando la recogida de la basura en su tarea cotidiana de vaciar los inmensos recipientes en los camiones de la “spazzatura”

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No trascendieron los nombres de los artistas porque quizá la mayor artista es la señora Macchi, hasta hace una semana una empleada de la limpieza que por este hecho no fue despedida de su trabajo.

Gracias Martin Gersbach/ Fuente Repubblica.it

Bill Viola dona su autorretrato a los Uffizi

Bill Viola acaba de donar su obra en vídeo Self Portrait, Submerged, creada en 2013, a los Uffizi de Florencia a través de la asociación Friends of the Uffizi Gallery, con sede en Palm Beach.

Fragmento del video donado

El video formará parte de la colección permanente del centro y podrá verse en el Corredor de Vasari.

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Still del autorretrato

La pieza forma parte de la serie Water Portraits, centrada en la reflexión sobre la interacción agua-cuerpo humano, algunas de estas obras pudieron verse el año pasado en el Parque de la Memoria de Buenos Aires.