Mona Hatoum: Desde afuera

Mona Hatoum es palestina aunque nunca pudo residir en el territorio de su familia. Sabe del desarraigo, de la necesidad de sacar documentos de identidad año a año por ser considerada siempre extranjera, sabe de las violencias de su pueblo y de su género y con ese material construyó una obra en la que los límites entre adentro y afuera, público y privado, real u onírico son estrategias móviles que provocan a quien mira a preguntarse, justamente, desde qué lugar se mira. Por primera vez en Buenos Aires, Over my dead body –sobre mi cadáver–  puede verse en Proa.

La obra de la artista palestina residente en Londres, Mona Hatoum, llega a Fundación Proa desde la Pinacoteca de San Pablo, en un nuevo esfuerzo conjunto de ambas instituciones de traer artistas que marcan la historia del arte de nuestro tiempo. Over my dead body (que podría traducirse como “sobre mi cadáver”) es el nombre de la exhibición que atraviesa distintos períodos creativos de la artista.

Hatoum, quien nació en 1952 en Beirut en el seno de una familia palestina, se mueve en un espacio creativo fronterizo entre la poética y la política a través de distintos soportes de un rango bien diferente: trabaja tanto con instalaciones como con escultura, video, fotografía y obras en papel.

Sin embargo empezó su carrera realizando videos viscerales y performance en los ‘80, que se concentraban en el impacto de los cuerpos sobre la mirada de lxs otrxs. Desde principios de los ‘90 su trabajó comenzó a expresarse a través de instalaciones a gran escala que tenían como objetivo comprometer al espectador en emociones conflictivas de deseo y repulsión, miedo y fascinación. En estas singulares esculturas vivas, Hatoum comenzó a transformar objetos cotidianos, domésticos y familiares tales como sillas, utensilios de cocina o herramientas en objetos extraños por sus nuevas dimensiones, obras que generasen extrañeza y amenaza a la vez. La misma intención la aplicó a las nuevas obras de estos últimos años en la actualización de sus videos tempranos, donde trabaja con un procedimiento de rastreo de su propio cuerpo y de otros cuerpos femeninos cercanos, como el de su madre. Así, de la performance confrontativa su trabajó se transformó en una herencia del minimalismo y conceptualismo, de la mujer que seguía como biblia las bases del feminismo a heredera de Duchamp y todo eso junto arman la obra que por estos días comienza a verse en Proa.

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Daybed, 2008, Sofacama. Acero con acabado negro.

“Durante mis dos primeros años en la escuela de artes en Londres, experimenté con diferentes formas de la pintura –explica Hatoum– hasta terminar haciendo obras de expresionismo abstracto. Durante un tiempo hice un montón de cuadros enérgicos, gestuales, y a veces trabajaba toda la noche, hasta sentir que me había purgado de todo lo que había que purgar y ya no podía pintar más. Después, descubrí a Duchamp y el arte conceptual y al mismo tiempo empecé a experimentar con materiales y formas geométricas simples, que me condujeron al minimalismo. Pienso que esto coincidió con mi iniciación en la meditación, por pura lógica, ya que la práctica de la meditación parecía estar dándome cierta tranquilidad y claridad mental. Trabajé mucho tiempo con estructuras minimalistas, como el cubo y la grilla. Más tarde, tras muchos años de hacer performances y videos que involucraban cuestiones narrativas y políticas, volví a utilizar ciertos elementos asociados con el minimalismo en mis instalaciones y esculturas, como la serialización, la repetición y la geometría del cubo, pero ya no como estructuras formales abstractas. Esas formas hacían referencia a situaciones de la vida real. La grilla o el cubo se convirtieron en una barrera o una jaula, y la obra se convirtió en una referencia al confinamiento, el control y la vigilancia; y finalmente, a la arquitectura de una prisión. (…) Mi contacto con el feminismo y especialmente con el discurso alrededor de psicoanálisis y feminismo me llevó a analizar mi relación con mi madre, y el resultado fue la obra Measures of Distance (Medidas de distancia). Pero nunca pensé el feminismo como algo aislado de las cuestiones de clase, raza y postcolonialismo.”

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Over my dead body, 1988-2002. Sobre mi cadáver. Fotografía. Tinta inkjet sobre PVC. Copia de exhibición

Desterrada de Haifa durante la guerra, esta palestina nómade ya adolescente fue a vivir a Londres, donde un trabajo esperaba a su padre, y allí se quedó, sintiéndose siempre palestina, a la espera de una tierra prometida que no llega.

Ella se mueve por el mundo y así se mueve también su obra donde las marcas de la velocidad y la mutación permanente son claves que debe añadir nuestra mirada.

“Provengo de una familia palestina que tuvo que vivir con el trauma del desarraigo y la pérdida de su hogar –continúa Mona en una entrevista realizada por Chiara Bertola, curadora de la muestra–. En 1948, cuando los combates se iban acercando a la ciudad costera de Haifa, donde vivían mis padres, ellos decidieron escaparse al Líbano, donde solían pasar las vacaciones de verano. Nunca pudieron volver a su país. Joseph, mi padre, era oriundo de Nazaret, y mi madre, Claire, de Acre. Tras terminar sus estudios en El Cairo, mi padre tuvo varios trabajos en el puerto de Haifa, donde mi abuelo era propietario de algunos silos de granos. Palestina estaba bajo dominio británico y mi padre fue escalando gradualmente hasta el cargo más alto que un árabe podía alcanzar: director de aduanas, segundo al mando del funcionario británico. Cuando mis padres terminaron viviendo en el Líbano, como mi padre había sido empleado público para el gobierno británico de Palestina, le ofrecieron un puesto en la embajada británica en Beirut, donde trabajó durante el resto de su vida laboral. Tras la creación del Estado de Israel, los documentos de identidad palestinos de mi padre perdieron validez, y a mi padre le dieron la oportunidad de naturalizarse como ciudadano británico, en 1949. Nací en Beirut unos años más tarde, la menor de tres hermanas. Mis padres querían un varón, y a pesar de que su deseo no les fue concedido, terminé llamándome Mona, que en árabe significa ‘deseo’. (…). A los palestinos no se los alentaba a integrarse a la sociedad libanesa, así que nunca se les daban documentos de identidad del Líbano. Debido al status de extranjeros de mi familia, teníamos que renovar nuestros permisos de residencia cada año, y era muy difícil conseguir permiso para trabajar. Todo eso no ayudaba para nada a generar un sentimiento de pertenencia”.

Nomadismo más que desarraigo es lo que transmite su obra. Así en la sala de dos columnas de Proa podrá apreciarse una instalación por la que una cámara de video es colocada en la calle y en el interior se podrá ver lo que sucede en ella. Cámara espía pero también integradora de dos espacios divididos por la fronteras que son las paredes, otros muros al muro que separa la Franja de Gaza con Israel. Se trata de la gran videoinstalación Ventana (2014), que se extiende a lo largo de la mitad de la pared lateral y que espera determinar la sensación de que todas las obras exhibidas en la sala –versiones nuevas de obras tempranas y nuevas instalaciones site-specific– forman parte de una misma historia. La cámara externa captura en tiempo real todo lo que ocurre en la calle exterior al museo, cuyas imágenes son proyectadas en el interior. “La calle, con sus ruidos, sus transeúntes y su energía invade el interior del espacio del museo, abriéndolo inevitablemente al exterior, forzando a las obras a interactuar y resonar en el interior. De esa forma, la artista instala una estrecha relación entre interior y exterior, conectando el tiempo suspendido y fosilizado del museo con tiempo vital y rítmico de la ciudad. Inevitablemente, también cambia nuestra percepción de cada obra considerada de manera individual”, explica la curadora Chiara Bertola.

La obra de Hatoum muchas veces remite a lo fronterizo y muchas veces lo hace con humor. Así lo realiza en el poster gigante que da nombre a la muestra, Over my dead body. Allí vemos un retrato de perfil de Mona con un pequeño soldado, un soldatito de juguete, apuntando a su entrecejo. Ella lo mira amenazante y el soldado pierde toda la ferocidad de su acción y su arma poderosa semeja un escarbadiente oscuro. Mediante el juego Hatoum parece querer contarnos en esta imagen sintética la historia de una lucha desigual.

Soñando juntos es una nueva instalación que se colgará entre cuatro de las columnas de la sala. Sugiere tanto un hogar inverosímil o una estructura espacial sobre la que cuelgan, como prendas de ropa, fundas de almohada bordadas. Esta estructura está llena de rastros de voces y sonidos, y poblada por la presencia de sus habitantes. Nos toparemos, más adelante, con una versión site-specific de su tan conocida instalación Ahogando penas, cachaca. Esta obra consiste en una cantidad de botellas de vidrio cortadas por la mitad en diferentes ángulos y colocadas en círculo en el piso, donde parecen flotar como si estuvieran en un charco de líquido con sus cuellos y sus fondos emergiendo del piso. Los reflejos de luz que desprende el vidrio activan un sorprendente juego de sombras y transparencias. La circularidad de la obra evoca un mundo singular, arruinado y embriagado.

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Misbah, 2006-2007.Luminária. Luminaria de chapa, cadena de metal y motor eléctrico

Toda la sala está repleta de historias, que giran en torno de la colisión entre lo externo y lo interno, lo real y lo imaginario, lo público y lo privado, lo racional y lo onírico, lo micro y lo macro. Muchas fronteras, una única frontera quizá siempre metaforizada en su obra. Y en éstas, casi como una obviedad se destaca el gran Biombo realizado con tres ralladores a gran escala. Nada más claro que un biombo para separar dos espacios que en el fondo son sólo uno.

Hatoum creó de esta manera las condiciones en las que una obra se abre más allá de los límites, más allá de una ventana, para ingresar en un paisaje en el que ocurren otras cosas: la descripción de un límite pero también la posibilidad de atravesarlo. En palabras de la artista: “También está la idea de la transformación continua de la realidad como algo que debemos aceptar. Las fronteras cambian, las ciudades son modificadas por las guerras, la geografía evoluciona, todos los días se destruyen hogares y vidas. Crecí con esa sensación de dislocación debido a la historia de mi familia y el hecho de encontrarme varada en Londres cuando tenía poco más de 20 años, una nueva instancia de dislocación. Eso parece conferirle a mi obra un sentido de inestabilidad”.

Publicado originalmente en el suplemento Las 12 de Página 12 el 27 de marzo de 2015

Esperando a Marina Abramovic: Su agenda en Buenos Aires

El 28 y 29 de abril de 10 a 18hs, en el marco de la Bienal de Performance de Buenos Aires, tendrá lugar el Workshop Método Abramović (sólo para mayores de 14 años) en el Centro de Experimentación de la Universidad Nacional de San Martín. La entrada es gratuita. Se podrá ingresar en cualquier momento (sujeta a capacidad del espacio) y permanecer en el recinto tanto como se desee. Sin inscripción previa.

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Para el Encuentro con Marina Abramović el 27 de abril la inscripción se abre el 20 de abril. Las inscripciones para las performances que así lo requieran se harán en www.bp15.org. Cada performance tiene abajo la fecha en la que se abre la inscripción. Hay algunas que son sin inscripción previa como el workshop del método Abramovic.

 

 

24 fotógrafos x 365 días

El proyecto web 24 fotógrafos cubriendo las 24 horas durante 365 días nace con la coordinación de la fotógrafa Veronica Romanenghi que cuenta a jaquealarte.com, la génesis del mismo que empezó a funcionar oficialmente el 1 de abril. Nos dice Romanenghi: “La ciudad nunca duerme, siempre hay alguien despierto que nos cuenta dónde está y cual es su punto de vista. La idea de este proyecto es contar con la mirada de 24 fotógrafos que en un día generen 24 fotos entre todos. El desafío es que cada uno en la hora que le corresponde genere una foto que estará colgada en la web del proyecto durante una hora.

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Ann Giraudo 2/04/2015 11.17.23

Cada fotógrafo tendrá su usuario y contraseña para poder subir en el momento la foto (se puede usar desde celulares lo que facilita la actualización). Las horas que le corresponden a cada uno van cambiando día a día, por ejemplo si hoy a uno le toca a las 3 pm, mañana será a las 4 pm y pasado a las 5 pm y así sucesivamente.

image_37_2015-04-02Sergio Panigo, 2/04/2015, 13.54.09

Si alguien no cumple con la hora que le corresponde su lugar queda vacío, es por eso que si alguien quiere sumarse al proyecto la única condición es que se comprometan a aportar material al menos durante un mes. ¡Si quieren seguir más tiempo, mejor! Si alguien sabe que a la hora que le toca no va a poder cubrirla debido a un viaje o que no va a tener acceso a internet lo puede avisar y se le asigna otra hora. La web es una gran vidriera para todos los que participen ya que va a contar con un buscador que permite ver el trabajo de cada fotógrafo en particular y cuenta con la posibilidad de que cada fotógrafo tenga su perfil en donde podrá colocar su página personal, además de poder agregar al CV de cada uno que están participando de este proyecto”. Este es el link http://www.24×365.com.ar desde donde se puede ver cómo funciona la página y lo ya subido hasta ahora. También se puede participar desde cualquier parte del mundo. Interesados remitirse al contacto de la página o al mail de Verónica: verónicaromanenghi@gmail.com

Rafaël Rozendaal: El lado suave de la tecnología

Treinta millones de visitantes únicos -30.730.587 para ser exactos- vieron los sitios web del artista visual Rafaël Rozendaal sólo en 2014. El número dice mucho sobre el alcance del arte en la era de Internet pero también pone de manifiesto el atractivo de su obra. Para Soft Focus, la muestra que Rozendaal (1980, holandés-brasileño, vive y trabaja en Nueva York) presenta hasta el 10 de mayo en MU, un espacio ubicado en Eindhoven (Países Bajos), el artista ha desarrollado una nueva obra que se proyecta en una habitación amueblada, para llamar nuestra atención sobre el lado suave de la tecnología.

Rafaël Rozendaal, Soft Focus, vista de la instalación en MU,  Eindhoven, 2015. Foto: Boudewijn Bollmann. Cortesía: MU

Rafaël Rozendaal, Soft Focus, vista de la instalación en MU,  Eindhoven, 2015. Foto: Boudewijn Bollmann. Cortesía: MU

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Rafaël Rozendaal, Soft Focus, vista de la instalación en MU,  Eindhoven, 2015. Foto: Boudewijn Bollmann. Cortesía: MU

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Rafaël Rozendaal, Soft Focus, vista de la instalación en MU,  Eindhoven, 2015. Foto: Boudewijn Bollmann. Cortesía: MU

Rafaël Rozendaal, Soft Focus, vista de la instalación en MU,  Eindhoven, 2015. Foto: Boudewijn Bollmann. Cortesía: MU

El arte digital es novedoso, es luz, es abierto, barato y libre. Rozendaal no lleva a cuestas el peso de la historia. No sufre de estrés, no tiene jefe, ni presupuesto, ni fechas límites, ni demasiadas complicaciones. Dicho así, suena maravillosamente libre de obligaciones, pero entretanto su obra puede ser vista más bien como una investigación continua y consistente de la representación gráfica y simbólica de la realidad. Un proceso de simplificación, estilización y abstracción, de sentir la esencia de las cosas, que pasa del papel a la pantalla del computador en el año 2001. La pantalla ha sido su medio desde entonces. Rozendaal hace animaciones limpias, aparentemente sencillas que se integran a la perfección en la ventana del navegador en cualquier tamaño de pantalla: obra de arte y sitio web siempre coinciden.

Obviamente, con sus referencias a Warhol, Duchamp o Mondrian, el trabajo no está del todo exento de historia, y Rozendaal se refiere también a otros artistas de Internet como Austin Lee y Jodi, el colectivo de artistas formado por Joan Heemskerk y Dirk Paesmans que causó sensación a partir de 1996 con sitios web que hacen a los visitantes conscientes del mundo codificado detrás de la pantalla. Rozendaal negoció su primer sitio, whitetrash.nl, por el yt-rtyuiop.org de Jodi.

Rozendaal cree que las personas pueden beneficiarse del arte. Para él es importante que los sitios sean accesibles desde todas partes del mundo y en todo momento. Al poner en venta los nombres de sus dominios también ha encontrado una respuesta a la recurrente pregunta de cómo ganarse la vida con el arte digital en la era de la reproductibilidad infinita: el contrato estipula que las obras permanecen en línea y son de libre acceso. La única indicación de que un sitio web se ha vendido es el nombre del propietario en el título del sitio.

Rafaël Rozendaal http://www.homagetothe.com/

Rafaël Rozendaal  http://www.randomfear.com/

Rafaël Rozendaal http://www.stagnationmeansdecline.com/

Rafaël Rozendaal http://www.papertoilet.com/

Movida en Twitter con los museos del mundo

Desde Argentina, ya sumaron su participación el Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA), el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba), Fundación Proa, el Museo de la pasión Boquense y el Museo Provincial de Bellas Artes Rosa Galisteo de Rodrí­guez de Santa Fe, entre otros.

La idea de este encuentro cultural y virtual organizado del 23 al 29 de marzo por la red social Twitter invita a jugar durante siete días con siete etiquetas diferentes y una conversación intercultural baja un solo hashtag #MuseumWeek.

550daed629831_260x179“Con Twitter, se puede difundir como nunca antes. Nuestro objetivo es eliminar las barreras y dejar que el contenido fluya”, dijo días atrás el CEO de Twitter, Dick Costolo, durante el lanzamiento formal de este evento en el que los museos del mundo abrirán virtualmente sus puertas.

De esta manera, el lunes próximo será el día del hashtag #secretsMW , para que los museos participantes cuenten al público el día a día de la institución, la cocina o el “detrás de escena”, mientras que el martes, bajo la etiqueta #souvenirsMW, el público podrá compartir recuerdos de su visita, como objetos, fotos, imanes, tazas, libros, postales, en un guiño a las tiendas del museo.

Para contar la historia del edificio, sus jardines, el barrio o los lugares emblemáticos será, el miércoles, el turno de #architectureMW, mientras que el jueves, con #inspirationMW se busca animar al público a mirar a su alrededor, a contar qué los inspira.

El viernes 27, los museos del mundo, así como los visitantes podrán postear bajo el hashtag #familyMW, que se enrola en la oferta de actividades para todas las edades.

Finalmente, sábado y domingo será la hora de las etiquetas #favMW para que los usuarios cuenten lo que más les gusta del mundo, y #poseMW, para invitar a los visitantes a utilizar el museo como el telón de fondo de un gran escenario.

#MuseumWeek es una actividad gratuita y abierta a cualquier institución, en cualquier lugar del mundo: los museos, fundaciones, galerí­as de arte y otros pueden inscribirse en el sitio web oficial del evento museumweek2015.org.

“Desde MALBA nos sumamos porque la estrategia digital es central en la comunicación del museo. Las redes no solo nos permiten comunicar y difundir lo que hacemos, si no crear comunidad y ampliar el espacio público del museo al mundo virtual. Este tipo de propuestas facilita el vínculo de ida y vuelta con el público general y también con colegas y profesionales del campo del arte y de los museos para compartir experiencias y aprendizajes”, explicó a Télam Guadalupe Requena, a cargo de la comunicación del museo.

“Es la oportunidad ideal para las instituciones abran sus puertas virtuales y que tanto visitantes como trabajadores puedan interactuar e intercambiar imágenes, secretos, recuerdos, anécdotas y momentos vividos dentro de las salas y entre las obras de arte. Y en nuestro caso, una gran oportunidad de compartir con ustedes la previa de la exhibición de Mona hatoum”, cuentan, por su parte, desde Fundación Proa, en su sitio web.

Por Argentina también participan el Museo Provincial de Ciencias Naturales “Dr. Angel Gallardo”, el Museo Provincial de Ciencias Naturales “Florentino Ameghino”, el Parque Arqueológico de Santa Fe y el Museo de Arte Contemporáneo de la Provincia de Buenos Aires (MAR) de Mar del Plata.

El público se podrá sumar a esta movida viral utilizando la etiqueta#MuseumWeek y siguiendo a @MuseumWeek, que además incluye una cápsula del tiempo que registrará el evento.

La cápsula del tiempo archivará todos los Tweets emitidos sobre #MuseumWeek 2015 y se cerrará al final de la semana para, posteriormente, ser exhibida en diferentes museos hasta la ceremonia de apertura, que tendrá lugar en 2035, como testimonio de este evento para futuras generaciones.

Otros espacios que participan son la Fundación Jumex Arte Contemporáneo de México, el Museo Botero de Colombia, el Museo de Arte Moderno de México, por Latinoamérica; así como el Museo del Louvre, el Museo d’Orsay, el Centro Pompidou y el Palacio de Versalles de Francia, por Europa, por mencionar solo algunos ejemplos.

Fuente: Telam

En breve: Lestido en Rolf Art

A partir  del viernes 27, Rolf Art presenta la exhibición individual de  Adriana Lestido llamada México.

Adriana Lestido, Hierve el agua, Oaxaca, 2010, toma directa, gelatina de plata sobre papel baritado, 38,5x58cm, ed. 15 AP en altaLa muestra cuenta con la curaduría de la crítica Adriana Lauria e indaga sobre una investigación que la fotógrafa llevó a cabo en tierras mexicanas.  Allí retrató con su reconocida sensibilidad los distintos paisajes de los bosques aztecas.

_Durango_dia_2_,_2010,_toma_directa?= , gelatina de plata sobre papel baritado, 24x37,5cm, ed. 15+AP altaEn el recorrido visual se nos muestra las distintas formas de apropiación del espacio, por parte del hombre y por parte de la naturaleza, así como las diferentes formas de vida que habitan allí.

En Posadas 1583, PB A a partir del 27.

Día de la Mujer: Bjork llena los 4 pisos del MoMA

 

El arte multifacético de Björk llegó al Museo de Arte Modermo de Nueva York en forma de retrospectiva. La muestra abre sus puertas hoy, domingo 8 de marzo coincidentemente con el Día de la Mujer, y guía al visitante por la vida y obra de la cantante y actriz islandesa, que nació en Reikiavik en 1965, comenzó a componer desde que era niña y lleva vendidos más de veinte millones de discos.

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  Videoclips, diarios -primero en islandés y luego en inglés-, textos, composiciones, fotografías y vestuarios de todo tipo son parte de la muestra e ilustran el carácter polifacético de Björk.

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 La exposición ya se encontraba en la agenda del MoMA desde mediados del año pasado, mucho antes de que la artista lanzara “Vulnicura”, su último disco. El curador alemán Klaus Biesenbach persiguió durante años a Björk hasta que ella accedió a la propuesta. “No le gusta volver la vista atrás”, afirmó Biesenbach durante la presentación de la muestra a los medios. “Así que le dije que sería una retrospectiva hacia el futuro, una exposición que mostrara dónde estará dentro de tres años”.

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“En el año 2000 le pregunté a Björk, por primera vez, si había considerado hacer una exhibición en el mundo del arte contemporáneo”, contó Biesenbach, e indicó que Bjork le propuso un desafío: “Tratá de hacer una exhibición, un museo visual, que sea primordialmente sobre música”.

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“Björk es una artista extraordinariamente innovadora cuyas contribuciones a la música contemporánea, el video, el cine, la moda y el arte han tenido un impacto mayúsculo en su generación alrededor del mundo”, resaltó Biesenbach, que definió a la muestra como “un recorrido, tanto biográfico como imaginativamente ficcional”.

Aquí un avance de la muestra:

Marina Abramovic vendrá a la 1a. Bienal de Performance de BsAs en abril

La notable artista grabó un video que se puede ver en exclusiva en el sitio Facebook de la Bienal de Performance de Buenos Aires que hoy dio la noticia Abramovic dará un seminario de dos días en la Universidad de San Martín donde usará el llamado Abramovic Method y también los entrenamientos de Cleaning the house.

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Según ella misma dice en el video, “espera que todxs puedan concurrir”. Por lo que se espera que el taller sea abierto. Imaginamos desde ya multitudes para agenciarse un lugar.

Te dejamos aquí un video donde la artista cuenta con exactitud en qué consiste su método que también es su legado y  más abajo encontrarás toda la info sobre la bienal, todo lo que hasta ahora se sabe. A partir del 1 de abril se sabrán con exactitud, nos dicen, todos los programas.

Ademas de la Abramovic, Marta Minujin, Laurie Anderson, Sophie Calle, Tania Bruguera, Nicola Costantino, Jorge Macchi, Amalia Pica y muchos artistas más protagonizarán la Bienal de Performance, un evento de nivel internacional que tendrá lugar
este otoño en diferentes espacios de la ciudad, la provincia de Buenos Aires, Neuquén y San Juan.
Entre el 27 de abril y el 7 de junio de 2015 tendrá lugar BP.15, la primera edición de la Bienal de Performance de la Argentina.
Se trata de un evento que involucra a más de 100 destacados artistas argentinos e internacionales,
provenientes de diferentes disciplinas artísticas, y se presentarán más de 20 proyectos inéditos creados especialmente para la Bienal.
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Durante 42 días, distintos espacios de Buenos Aires albergarán obras de artistas de la talla de Marina Abramovic, Marta Minujin, Laurie Anderson, Sophie Calle, Nicola Costantino, Jorge Macchi y Edgardo Rudnitzky; Diego Bianchi y Luis Garay, Liu Bolin; Tania Bruguera, Amalia Pica.
La selección de artistas es una cuidada selección de creadores nacionales e internacionales, que estuvo a cargo de los curadores de las instituciones que forman parte de la Bienal, el consejo consultivo de la Bienal y de su directora, Graciela Casabé.
Además de los artistas ya mencionados, protagonizarán BP.15 creadores como Ana Gallardo; Emilio García Webhi y Gabo Ferro; Mondongo, Mariana Obersztern; Provisorio Permanente; Fernando Rubio; Martín Bauer y Alejandro Cesarco; Martín Sastre; Diana Szeinblum; Nicolás Varchausky, Juan Onofri y Matías Sendón; Osías Yanov; Leonello Zambón y Eugenia González.
BP.15 es una iniciativa de carácter privado e independiente que se conforma en asociación con distintas instituciones culturales y educativas públicas y privadas del país. Una veintena de museos, espacios culturales y diferentes sitios urbanos de la ciudad de Buenos Aires, Mar del Plata, San Juan y Neuquén conforman un diseño de exhibición descentralizado. Este esquema, que se construye a partir de las distintas sedes/escenarios participantes, le dará a la Bienal una dinámica muy particular.
El Museo Nacional de Bellas Artes, el Malba, el Centro de Arte Experimental de USAM y el Parque de la Memoria, entre otros forman parte de la Bienal. A lo largo de los 42 días de la Bienal, el público podrá disfrutar de un nutrido programa de actividades
que incluye presentaciones en vivo, acciones, muestras seminarios y workshops. La propuesta artística la Bienal se completa con una importante plataforma académica que se desarrollará en simultáneo.

 

El tabú x la vagina encarcela a una artista en Japón

"Me dijeron que dejara de causar problemas con fotos de mi vagina."

Los japoneses son un pueblo de contrastes totales: a pesar de tener un festival familiar dedicado enteramente a la adoración del falo (Kanamara Matsuri), el órgano sexual femenino es culturalmente incómodo. Y no sólo nombrar a la vagina o representarla en piezas de arte: parece que todo lo que tiene que ver con la feminidad, desde el embarazo hasta el placer sexual, queda proscrito.

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La artista Megumi Igarashi (conocida en Japón como Rokudenashiko, “la chica buena para nada”), escultora y realizadora de manga, se encuentra esperando juicio desde diciembre de 2014 por cargos de obscenidad, debido a un modelo tridimensional de su vagina realizado con la base de un bote tipo kayac. Su controvertida obra fue realizada con el sistema de crowdfunding o financiación colectiva.

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En el país del Shunga, el Hentai, el sexo con moluscos y la hipersexualización en los medios, la política sexual en torno a la vagina es esconderla o mejor dicho, negarla del todo y encarcelar a una artista, Megumi Igarashi, espera juicio encarcelada, por simplemente representarla con bastante sutileza.

Fuente: pijamasurf.com/dailymail.co.uk

Videitos: Flor Battiti habla sobre el rol del curador

En una entrevista exclusiva de la interesantísima web Campo Artístico que realiza una serie de micro documentales de producción independiente, dedicados a documentar y difundir las producciones artísticas contemporáneas y el trabajo de los agentes de la escena local a través de entrevistas espontáneas de acceso libre y gratuito, la última entrevista del año fue a la curadora del Parque de la Memoria, y ex-curadora del Malba, entre otros tanto trabajos independientes, la sensible y talentosa Florencia Battiti. Acá va en 7 minutos.

Video ©CampoArtístico