Movida en Twitter con los museos del mundo

Desde Argentina, ya sumaron su participación el Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA), el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba), Fundación Proa, el Museo de la pasión Boquense y el Museo Provincial de Bellas Artes Rosa Galisteo de Rodrí­guez de Santa Fe, entre otros.

La idea de este encuentro cultural y virtual organizado del 23 al 29 de marzo por la red social Twitter invita a jugar durante siete días con siete etiquetas diferentes y una conversación intercultural baja un solo hashtag #MuseumWeek.

550daed629831_260x179“Con Twitter, se puede difundir como nunca antes. Nuestro objetivo es eliminar las barreras y dejar que el contenido fluya”, dijo días atrás el CEO de Twitter, Dick Costolo, durante el lanzamiento formal de este evento en el que los museos del mundo abrirán virtualmente sus puertas.

De esta manera, el lunes próximo será el día del hashtag #secretsMW , para que los museos participantes cuenten al público el día a día de la institución, la cocina o el “detrás de escena”, mientras que el martes, bajo la etiqueta #souvenirsMW, el público podrá compartir recuerdos de su visita, como objetos, fotos, imanes, tazas, libros, postales, en un guiño a las tiendas del museo.

Para contar la historia del edificio, sus jardines, el barrio o los lugares emblemáticos será, el miércoles, el turno de #architectureMW, mientras que el jueves, con #inspirationMW se busca animar al público a mirar a su alrededor, a contar qué los inspira.

El viernes 27, los museos del mundo, así como los visitantes podrán postear bajo el hashtag #familyMW, que se enrola en la oferta de actividades para todas las edades.

Finalmente, sábado y domingo será la hora de las etiquetas #favMW para que los usuarios cuenten lo que más les gusta del mundo, y #poseMW, para invitar a los visitantes a utilizar el museo como el telón de fondo de un gran escenario.

#MuseumWeek es una actividad gratuita y abierta a cualquier institución, en cualquier lugar del mundo: los museos, fundaciones, galerí­as de arte y otros pueden inscribirse en el sitio web oficial del evento museumweek2015.org.

“Desde MALBA nos sumamos porque la estrategia digital es central en la comunicación del museo. Las redes no solo nos permiten comunicar y difundir lo que hacemos, si no crear comunidad y ampliar el espacio público del museo al mundo virtual. Este tipo de propuestas facilita el vínculo de ida y vuelta con el público general y también con colegas y profesionales del campo del arte y de los museos para compartir experiencias y aprendizajes”, explicó a Télam Guadalupe Requena, a cargo de la comunicación del museo.

“Es la oportunidad ideal para las instituciones abran sus puertas virtuales y que tanto visitantes como trabajadores puedan interactuar e intercambiar imágenes, secretos, recuerdos, anécdotas y momentos vividos dentro de las salas y entre las obras de arte. Y en nuestro caso, una gran oportunidad de compartir con ustedes la previa de la exhibición de Mona hatoum”, cuentan, por su parte, desde Fundación Proa, en su sitio web.

Por Argentina también participan el Museo Provincial de Ciencias Naturales “Dr. Angel Gallardo”, el Museo Provincial de Ciencias Naturales “Florentino Ameghino”, el Parque Arqueológico de Santa Fe y el Museo de Arte Contemporáneo de la Provincia de Buenos Aires (MAR) de Mar del Plata.

El público se podrá sumar a esta movida viral utilizando la etiqueta#MuseumWeek y siguiendo a @MuseumWeek, que además incluye una cápsula del tiempo que registrará el evento.

La cápsula del tiempo archivará todos los Tweets emitidos sobre #MuseumWeek 2015 y se cerrará al final de la semana para, posteriormente, ser exhibida en diferentes museos hasta la ceremonia de apertura, que tendrá lugar en 2035, como testimonio de este evento para futuras generaciones.

Otros espacios que participan son la Fundación Jumex Arte Contemporáneo de México, el Museo Botero de Colombia, el Museo de Arte Moderno de México, por Latinoamérica; así como el Museo del Louvre, el Museo d’Orsay, el Centro Pompidou y el Palacio de Versalles de Francia, por Europa, por mencionar solo algunos ejemplos.

Fuente: Telam

En breve: Lestido en Rolf Art

A partir  del viernes 27, Rolf Art presenta la exhibición individual de  Adriana Lestido llamada México.

Adriana Lestido, Hierve el agua, Oaxaca, 2010, toma directa, gelatina de plata sobre papel baritado, 38,5x58cm, ed. 15 AP en altaLa muestra cuenta con la curaduría de la crítica Adriana Lauria e indaga sobre una investigación que la fotógrafa llevó a cabo en tierras mexicanas.  Allí retrató con su reconocida sensibilidad los distintos paisajes de los bosques aztecas.

_Durango_dia_2_,_2010,_toma_directa?= , gelatina de plata sobre papel baritado, 24x37,5cm, ed. 15+AP altaEn el recorrido visual se nos muestra las distintas formas de apropiación del espacio, por parte del hombre y por parte de la naturaleza, así como las diferentes formas de vida que habitan allí.

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Día de la Mujer: Bjork llena los 4 pisos del MoMA

 

El arte multifacético de Björk llegó al Museo de Arte Modermo de Nueva York en forma de retrospectiva. La muestra abre sus puertas hoy, domingo 8 de marzo coincidentemente con el Día de la Mujer, y guía al visitante por la vida y obra de la cantante y actriz islandesa, que nació en Reikiavik en 1965, comenzó a componer desde que era niña y lleva vendidos más de veinte millones de discos.

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  Videoclips, diarios -primero en islandés y luego en inglés-, textos, composiciones, fotografías y vestuarios de todo tipo son parte de la muestra e ilustran el carácter polifacético de Björk.

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 La exposición ya se encontraba en la agenda del MoMA desde mediados del año pasado, mucho antes de que la artista lanzara “Vulnicura”, su último disco. El curador alemán Klaus Biesenbach persiguió durante años a Björk hasta que ella accedió a la propuesta. “No le gusta volver la vista atrás”, afirmó Biesenbach durante la presentación de la muestra a los medios. “Así que le dije que sería una retrospectiva hacia el futuro, una exposición que mostrara dónde estará dentro de tres años”.

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“En el año 2000 le pregunté a Björk, por primera vez, si había considerado hacer una exhibición en el mundo del arte contemporáneo”, contó Biesenbach, e indicó que Bjork le propuso un desafío: “Tratá de hacer una exhibición, un museo visual, que sea primordialmente sobre música”.

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“Björk es una artista extraordinariamente innovadora cuyas contribuciones a la música contemporánea, el video, el cine, la moda y el arte han tenido un impacto mayúsculo en su generación alrededor del mundo”, resaltó Biesenbach, que definió a la muestra como “un recorrido, tanto biográfico como imaginativamente ficcional”.

Aquí un avance de la muestra:

Marina Abramovic vendrá a la 1a. Bienal de Performance de BsAs en abril

La notable artista grabó un video que se puede ver en exclusiva en el sitio Facebook de la Bienal de Performance de Buenos Aires que hoy dio la noticia Abramovic dará un seminario de dos días en la Universidad de San Martín donde usará el llamado Abramovic Method y también los entrenamientos de Cleaning the house.

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Según ella misma dice en el video, “espera que todxs puedan concurrir”. Por lo que se espera que el taller sea abierto. Imaginamos desde ya multitudes para agenciarse un lugar.

Te dejamos aquí un video donde la artista cuenta con exactitud en qué consiste su método que también es su legado y  más abajo encontrarás toda la info sobre la bienal, todo lo que hasta ahora se sabe. A partir del 1 de abril se sabrán con exactitud, nos dicen, todos los programas.

Ademas de la Abramovic, Marta Minujin, Laurie Anderson, Sophie Calle, Tania Bruguera, Nicola Costantino, Jorge Macchi, Amalia Pica y muchos artistas más protagonizarán la Bienal de Performance, un evento de nivel internacional que tendrá lugar
este otoño en diferentes espacios de la ciudad, la provincia de Buenos Aires, Neuquén y San Juan.
Entre el 27 de abril y el 7 de junio de 2015 tendrá lugar BP.15, la primera edición de la Bienal de Performance de la Argentina.
Se trata de un evento que involucra a más de 100 destacados artistas argentinos e internacionales,
provenientes de diferentes disciplinas artísticas, y se presentarán más de 20 proyectos inéditos creados especialmente para la Bienal.
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Durante 42 días, distintos espacios de Buenos Aires albergarán obras de artistas de la talla de Marina Abramovic, Marta Minujin, Laurie Anderson, Sophie Calle, Nicola Costantino, Jorge Macchi y Edgardo Rudnitzky; Diego Bianchi y Luis Garay, Liu Bolin; Tania Bruguera, Amalia Pica.
La selección de artistas es una cuidada selección de creadores nacionales e internacionales, que estuvo a cargo de los curadores de las instituciones que forman parte de la Bienal, el consejo consultivo de la Bienal y de su directora, Graciela Casabé.
Además de los artistas ya mencionados, protagonizarán BP.15 creadores como Ana Gallardo; Emilio García Webhi y Gabo Ferro; Mondongo, Mariana Obersztern; Provisorio Permanente; Fernando Rubio; Martín Bauer y Alejandro Cesarco; Martín Sastre; Diana Szeinblum; Nicolás Varchausky, Juan Onofri y Matías Sendón; Osías Yanov; Leonello Zambón y Eugenia González.
BP.15 es una iniciativa de carácter privado e independiente que se conforma en asociación con distintas instituciones culturales y educativas públicas y privadas del país. Una veintena de museos, espacios culturales y diferentes sitios urbanos de la ciudad de Buenos Aires, Mar del Plata, San Juan y Neuquén conforman un diseño de exhibición descentralizado. Este esquema, que se construye a partir de las distintas sedes/escenarios participantes, le dará a la Bienal una dinámica muy particular.
El Museo Nacional de Bellas Artes, el Malba, el Centro de Arte Experimental de USAM y el Parque de la Memoria, entre otros forman parte de la Bienal. A lo largo de los 42 días de la Bienal, el público podrá disfrutar de un nutrido programa de actividades
que incluye presentaciones en vivo, acciones, muestras seminarios y workshops. La propuesta artística la Bienal se completa con una importante plataforma académica que se desarrollará en simultáneo.

 

El tabú x la vagina encarcela a una artista en Japón

"Me dijeron que dejara de causar problemas con fotos de mi vagina."

Los japoneses son un pueblo de contrastes totales: a pesar de tener un festival familiar dedicado enteramente a la adoración del falo (Kanamara Matsuri), el órgano sexual femenino es culturalmente incómodo. Y no sólo nombrar a la vagina o representarla en piezas de arte: parece que todo lo que tiene que ver con la feminidad, desde el embarazo hasta el placer sexual, queda proscrito.

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La artista Megumi Igarashi (conocida en Japón como Rokudenashiko, “la chica buena para nada”), escultora y realizadora de manga, se encuentra esperando juicio desde diciembre de 2014 por cargos de obscenidad, debido a un modelo tridimensional de su vagina realizado con la base de un bote tipo kayac. Su controvertida obra fue realizada con el sistema de crowdfunding o financiación colectiva.

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En el país del Shunga, el Hentai, el sexo con moluscos y la hipersexualización en los medios, la política sexual en torno a la vagina es esconderla o mejor dicho, negarla del todo y encarcelar a una artista, Megumi Igarashi, espera juicio encarcelada, por simplemente representarla con bastante sutileza.

Fuente: pijamasurf.com/dailymail.co.uk

Videitos: Flor Battiti habla sobre el rol del curador

En una entrevista exclusiva de la interesantísima web Campo Artístico que realiza una serie de micro documentales de producción independiente, dedicados a documentar y difundir las producciones artísticas contemporáneas y el trabajo de los agentes de la escena local a través de entrevistas espontáneas de acceso libre y gratuito, la última entrevista del año fue a la curadora del Parque de la Memoria, y ex-curadora del Malba, entre otros tanto trabajos independientes, la sensible y talentosa Florencia Battiti. Acá va en 7 minutos.

Video ©CampoArtístico

El cubano Carlos Garaicoa x 2 en España

Dos exposiciones simultáneas en Madrid y Santander presentan la obra más reciente del artista cubano Carlos GaraicoaOrden Inconcluso (político‐poético), curada por Agustín Pérez Rubio,director del MALBA, en el Centro de Arte Dos de Mayo (CA2M),  Orden Aparente (poético‐político), en la Fundación Botín, comisariada por Vicente Todolí.

La muestra en la Fundación Botín reúne cerca de 35 obras realizadas en diversos medios -instalación, vídeo, fotografía, escultura, libros pop‐up y dibujos-, realizadas entre 2009 y 2014, y que permiten al visitante un acercamiento al imaginario estético y al discurso crítico de Garaicoa, en los que subyace la ciudad como representación de la memoria individual y colectiva.

Se incluyen en este recorrido obras como Las Joyas de la Corona (The Crown Jewels, 2009), o aproximaciones más poéticas como Jardín (de la serie La ciudad vista desde la mesa de casa, 1998) y Porque toda ciudad tiene derecho a llamarse Utopía (Because every city has the right to be called Utopia, 2001). Además, se presentan trabajos de la producción más reciente del artista, como Escala 1:1 (Scale 1:1, 2014), De la serie Edificios parlantes (From the Series Talking Buildings, 2011) o su nueva serie de dibujos Infames casas ocultas (Infamous Hidden Houses, 2014), entre otras.

Junto a ellas se exhibe una pieza concebida específicamente para la muestra en la Fundación Botín: Proyecto Frágil (Santander, 2014), que recrea, usando delgadas láminas de vidrio unidas por imanes, una gran ciudad portuaria con su geografía, barcos y grúas. Este tipo de obra, que el artista viene desarrollando desde 2010, remite a la fragilidad de la ciudad y de ciertas zonas de explotación de su potencial económico o político. Garaicoa realizó un proyecto similar para la isla Cockatoo durante la Bienal de Sydney 2013.

Otra obra donde emplea los mismos materiales es Wer im Glashaus sitzt… (If you have a glass house…, 2013), en la que reprodujo el museo Haus der Kunst de Munich, donde tuvo lugar la famosa exhibición de arte degenerado durante el fascismo.

Orden Aparente (poético‐político) enfatiza el carácter procesual del trabajo de Carlos Garaicoa, mostrando diferentes realidades sociales, cuestiones como la capacidad de la arquitectura para alterar el curso de la historia, el fracaso de la modernidad como un catalizador para el cambio social o la decadencia de las utopías del siglo XX. Con sus comentarios “poético‐políticos” Garaicoa irrumpe en la arquitectura de las ciudades y los paisajes que habitamos en pleno siglo XXI, dando forma a imágenes que trascienden las palabras y los hechos, las crisis y las utopías.

Desde sus primeras intervenciones en la calle, haciendo uso de la fotografía en su concepción estrictamente documental, hasta su producción más reciente, la arquitectura de las ciudades, y de La Habana en particular, ha sido un pretexto reiterado para articular un discurso irónico y crítico en el que los edificios que las conforman son utilizados como metáfora de utopías tanto arquitectónicas como sociales. Como afirma Vicente Todolí, comisario de la muestra, se trata de “un empeño subyacente por desarrollar una poética de la sospecha, motivado, en última instancia, por la necesidad de saber si alguna vez hemos sido engañados”.

Y es en algunas obras presentes en la exposición, como Las Joyas de la Corona (The Crown Jewels, 2009), una serie de ocho maquetas en miniatura realizas en plata fundida que reproducen emblemáticos edificios símbolos de la represión, la vigilancia y el control del Estado como la Stasi, la KGB, el Pentágono o la Base Naval de Guantánamo, donde esa necesidad, sumada a lo lírico y lo político, se pone claramente de manifiesto.

Según explica Carlos Garaicoa, “en esta obra, creada a partir de fotografías y textos amañados y de cuestionable credibilidad, utilizo una especie de licencia poética, edito y corrijo imágenes para suplantar la falta de información” en un intento por hacer visible lo oculto y cuestionar lo que oficialmente se nos presenta.

Vista de la instalación Las Joyas de la Corona (2009), de Carlos Garaicoa. 8 esculturas de plata, madera y vidrio. Dimensiones variables. Cortesía del Artista, Galería Elba Benítez (Madrid) y Galería Continua (San Gimignano/Beijing/Les Moulins). Foto: Ela Bialkowska

Carlos Garaicoa, Base Naval de Guantánamo, 2009, escultura de plata, 0.5 x 6,5 x 6.5 cm. Cortesía del artista, Galería Elba Benítez (Madrid) y Galería Continua (San Gimignano/Beijing/Les Moulins). Foto: Ela Bialkowska

Carlos Garaicoa, Estadio Nacional de Chile, 2009, escultura de plata, 3 x 14 x 8 cm. Cortesía del artista, Galería Elba Benítez (Madrid) y Galería Continua (San Gimignano/Beijing/Les Moulins). Foto: Ela Bialkowska

Carlos Garaicoa, Pentágono, 2009, escultura de plata, 1.5 x 9 x 9 cm. Cortesía del artista, Galería Elba Benítez (Madrid) y Galería Continua (San Gimignano/Beijing/Les Moulins). Foto: Ela Bialkowska

Y es que la imagen fotográfica ha sido utilizada desde sus inicios como coartada para sustentar los discursos históricos y ayudar a construir el complejo corpus ideológico que prefigura y perpetúa un orden. Un buen ejemplo es De la serie fotógrafo de domingo (Ucrania) (From the Series Sunday Photographer (Ukraine) 2013). Esta obra parte de una documentación fotográfica que el artista realizó en una antigua fábrica de acero de la época socialista en Donetsk (Rusia) y que, posteriormente, fue alterada en el ordenador para crear imágenes que remiten a la pintura impresionista. En un espacio poblado de imaginería soviética, que todavía transpira la presencia de miles de trabajadores, el artista intenta combinar la documentación de un pasado venido a menos con la edulcoración que le proporciona la pincelada quebrada y los altos contrastes de colores. Una acción que erróneamente podría tildarse de nostálgica y que, sin embargo, reclama nuestra atención sobre temas aún irresueltos de la historia del siglo XX.

También se sirve Carlos Garaicoa de los mapas y del dibujo técnico, que, como convenciones, lejos de mostrar una imagen neutra y objetiva, omiten y resaltan rasgos para presentar una visión sesgada de la realidad: un Orden Aparente, como reza el título de la muestra. La serie de mantas de corte inspiradas en los planos de arquitectos (blueprints) nos enfrenta, desde el simple esquema de un cajetín donde se suelen colocar los planos de un edificio, al espacio vacío y a la posibilidad infinita del lenguaje para describir y recrear nociones y espacios imaginarios.

La realidad y sus propuestas de completamiento o reforma, ya sean utópicas o plausibles, son el leitmotif de los libros pop‐up del artista, que recogen sus dípticos de fotografía y dibujo desde inicios de los noventa hasta la actualidad.

Carlos Garaicoa, De la serie La palabra transformada (IV), 2009, caja de luz, cinta adhesiva calada a mano sobre manta de corte, fotografía duratrans B/N, madera, cables eléctricos, luces led, 63.5 x 90.5 x 10.5 cm. Cortesía del artista, Galería Elba Benítez (Madrid) y Galería Continua (San Gimignano/Beijing/Les Moulins). Foto: Oak Taylor Smith

Carlos Garaicoa, Sin título (Chocolatería), 2014, alfileres e hilo sobre fotografía lambda montada y laminada dobre gator board, 125 x 160 cm. Cortesía del artista, Galería Elba Benítez (Madrid) y Galería Continua (San Gimignano/Beijing/Les Moulins). Foto: Oak Taylor Smith

 

La exhibición de Garaicoa en el CA2M (Centro de Arte Dos de Mayo de la Comunidad de Madrid) reúne una selección de trabajos -fotografía, instalaciones y objetos- en los que el artista reflexiona sobre las distintas realidades económicas y políticas de dos de los países donde ha vivido: Cuba y España. En estas obras la arquitectura y la ciudad aparecen como un telón de fondo o escena desde donde se dan, a modo de teatro, acciones que reivindican el sentir ciudadano, como las manifestaciones o las pintadas en muros.

La muestra intenta poner en relación los grandes proyectos sociales de la arquitectura de décadas pasadas y las nuevas estructuras macroeconómicas, con las micro-realidades ciudadanas, es decir, con las reivindicaciones de los ciudadanos. Todo ello en un recorrido que va desde lo más sencillo y sensible como es la calle y el ciudadano a las altas esferas de lo político y económico como son los bancos y los gobiernos.

Los proyectos utópicos que se incluyen en la exposición se relacionan con los muros de las ciudades donde sus habitantes claman un nuevo orden estructural y no sólo político o económico. Piezas como Saving the Safe (Bundesbank) y Saving the Safe (Banco de España) son el reflejo del poder financiero, mientras que otras obras reflejan el sentir ciudadano. Es el caso de las alcantarillas situadas en las calles alrededor del CA2M y desde donde el artista increpará al espectador con nuevos eslóganes.

Vista de la exposición Orden Inconcluso, de Carlos Garaicoa, en el Centro de Arte Dos de Mayo, Madrid, 2014. Cortesía: CA2M

Vista de la exposición Orden Inconcluso, de Carlos Garaicoa, en el Centro de Arte Dos de Mayo, Madrid, 2014. Cortesía: CA2M

Vista de la exposición Orden Inconcluso, de Carlos Garaicoa, en el Centro de Arte Dos de Mayo, Madrid, 2014. Cortesía: CA2M

La exposición pretende trazar varias líneas conceptuales entre diferentes épocas de la obra de Carlos Garaicoa a través de una precisa selección de trabajos que tienen como denominador común tanto la economía y la arquitectura como el poder, el control y la utopía. Además, presenta una nueva serie de piezas realizadas ex profeso para este proyecto que intentan ahondar y enmarcar más profundamente esta intención del artista en conectar las diversas realidades políticas y económicas que le ha tocado vivir.

Tras su paso por el CA2M, la muestra podrá verse a lo largo de 2015 en el Museo Nacional de Noruega (Oslo) y en Villa Stuck (Múnich).

Con motivo de las exposiciones Orden Aparente (poético‐político) en la Fundación Botín y Orden Inconcluso (político‐poético) en el Centro de Arte Dos de Mayo (CA2M) se publicará un catálogo en dos volúmenes donde se incluirán obras de ambas muestras. Esta edición también recogerá algunos proyectos anteriores de Carlos Garaicoa que, en su conjunto, permitirán profundizar más en los procesos e investigaciones de este artista.

La exposición de la Fundación Botín acoge obras provenientes de la colección propia del artista, de las galerías que lo representan -Elba Benítez (Madrid), Galleria Continua (San Gimignano/Beijing/Les Moulins) y Galeria Luisa Strina (São Paulo)- y de colecciones privadas provenientes de España, Brasil, Portugal e Italia.

Vista de la exposición Orden Inconcluso, de Carlos Garaicoa, en el Centro de Arte Dos de Mayo, Madrid, 2014. Cortesía: CA2M

Carlos Garaicoa (La Habana, Cuba, 1967) es uno de los artistas cubanos con mayor reconocimiento a nivel internacional. Entre sus exposiciones individuales más recientes cabe destacar las celebradas en el Museo ICO de Madrid durante el Festival PhotoEspaña 12, el Irish Museum of Modern Art de Dublín (2010), el Museo Nacional de Bellas Artes de Cuba (2009), La Caixa Cultural de Río de Janeiro (2008), el Institute of Contemporary Art en Philadelphia (2007) o el Royal Ontario Museum de Toronto (2006). Además, ha participado en la Documenta de Kassel y las Bienales de Venecia, São Paulo y La Habana.

Su obra ejerce de vínculo entre la que ha sido llamada la “generación de los ochenta” en Cuba y una generación más joven que empieza a consolidarse en la isla a partir de los años noventa, movimientos artísticos que constituyen lo que se ha denominado Nuevo Arte Cubano. Así, los comienzos de la carrera artística de Garaicoa coinciden con una de las etapas más difíciles vividas por los cubanos nacidos a partir de 1959, el llamado Período Especial, que sucedió al colapso del socialismo real en Europa del Este y al fin de la Guerra Fría. Probablemente debamos buscar en estos antecedentes la razón por la que Garaicoa sea un artista dotado con una capacidad intuitiva tan elevada y con un interés marcado por el modo en que se construyen y ponen en circulación las estructuras ideológicas. Su obra pone en cuestionamiento tanto el espacio institucional de la galería, como la misma noción de obra de arte, o la propia idea de autoría. Una heterogeneidad expresiva mediante la cual el creador se enfrenta de una manera contundente a la tradicional noción de estilo.

Vista de la exposición Orden Inconcluso, de Carlos Garaicoa, en el Centro de Arte Dos de Mayo, Madrid, 2014. Cortesía: CA2M

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Vista de la exposición Orden Inconcluso, de Carlos Garaicoa, en el Centro de Arte Dos de Mayo, Madrid, 2014. Cortesía: CA2M

Vista de la exposición Orden Inconcluso, de Carlos Garaicoa, en el Centro de Arte Dos de Mayo, Madrid, 2014. Cortesía: CA2M

Vista de la exposición Orden Inconcluso, de Carlos Garaicoa, en el Centro de Arte Dos de Mayo, Madrid, 2014. Cortesía: CA2M

Españoles en la Bienal de la Imagen en Movimiento

El CCEBA Centro Cultural de España en Buenos Aires, dependiente de la Embajada de España en Argentina, presenta la participación de los artistas españoles Raquel Ponce, Gregorio Viera y el colectivo Cráter en el marco de la Bienal de la Imagen en Movimiento (BIM) en colaboración con Centro Atlántico de Arte Moderno (CAAM), Alianza Francesa y Museo de la Universidad Nacional Tres de Febrero (Muntref) Centro de Arte Contemporáneo. AlgunasCosas Sistema1 GregorioViera BIM

Algunas cosas, Gregorio Viera

La muestra … En la punta de la lengua inaugura el 18 de noviembre, a 19 horas en la sede CCEBA Paraná 1159, con las obras Back, de Raquel Ponce, y Camisetas, pistolas de plástico, trompeta y algunas cosas más, de Gregorio Viera. Con entrada libre y gratuita hasta el 18 de diciembre (lunes a viernes de 10:30 a 20 horas), la exposición nació como un encargo del director artístico del CAAM, Omar Pascual Castillo, a la curadora Gopi Saradarangani, para impulsar el ciclo Ficción Documental, en el que se aborda los nuevos caminos de investigación estética en torno al documento videográfico y fotográfico y la ficción del performance. Back RaquelPonce BIM

Back, Raquel Ponce

Basadas todas las obras en los residuos procesuales de la creación de una obra de arte mediante la documentación videofotográfica, a partir de un imaginario en el que se ahonda en la experiencia del individuo, el trabajo de Raquel Ponce tantea la idea del vacío, la huella del sujeto en el espacio, entendido como espacio de trabajo (taller o atelier del arte actual), mientras que el montaje de Gregorio Viera rastrea “la idea de la relación narrativa que tenemos con los objetos y nosotros mismos”. Los dos artistas canarios participan en una charla el 27 de noviembre, a las 15 horas en CCEBA Paraná 1159, también con entrada libre y gratuita. El taller de revelado fílmico artesanal, dictado por Luis Macías como cofundador de Cráter-Lab, se imparte 25, 26 y 28 de noviembre, de 10 a 13 horas en Muntref Centro de Arte Contemporáneo (Antártida Argentina 1355). Dirigida a artistas, cineastas, estudiantes y cualquier persona interesada en la creación de imágenes en movimiento, la materialidad fílmica y los procesos artesanales de creación y experimentación cinematográfica, la propuesta incluye una introducción al revelado de película Súper 8 en blanco y negro, indagando en la respuesta de su análoga, la película de 16mm; y una filmación colectiva con cámara Bolex 16mm para después poner en práctica diversos procesos de revelado: el desarrollo en negativo, reversible-inversible y otros métodos alternativos con productos naturales. ReelsAndLights Crater BIM

Reels & Lights, Cráter

La proyección Umbrales inasibles del colectivo Cráter, integrado por Adriana Vila y Luis Macías, exhibe el 29 de noviembre, a las 20 horas en la Alianza Francesa (Córdoba 936), las obras Red Over the Right Eye (España-Venezuela, 2012; 12′, super 8/ 16 mm, sonido óptico y sensores de luz, proyección 1 x Súper 8 + 2 x 16 mm) y Reels & Lights (España-Venezuela, 2012; 22′, sin película, sonido óptico, micros de contacto y sensores de luz, proyección 16 mm proyector + luz estroboscópica). Con entrada libre y gratuita, desaconsejada para personas con epilepsia, en el programa doble de cine expandido la imagen física es sustituida por la incandescencia, los orígenes son eclosionados en una experiencia perceptiva demoledora para las sutiles comodidades de la retina.

Puerto Quilombo: 10 años de SubCoop, un nuevo ojo en la fotografía argentina

En vísperas de cumplir diez años de trabajo colectivo, Sub, Cooperativa de fotógrafos presenta su nueva exposición: Puerto Quilombo, en colaboración con la curadora Victoria Verlichak. La muestra inaugura el jueves 13 de noviembre 2014, a las 19 horas, en la Sala 12 del Centro Cultural Recoleta.

 Sub es una cooperativa de fotógrafos nacida en Buenos Aires a fines de 2004. El proyecto está integrado por 7 miembros: Gisela Volá, Nicolás Pousthomis, Gerónimo Molina, Martín Barzilai, Verónica Borsani, Gabriela Mitidieri, en Buenos Aires, y Olmo Calvo Rodríguez, en Madrid.

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Su trabajo profundiza en la creación de una identidad colectiva y la realización de investigaciones fotográficas. Los miembros de Sub comparten ideas para establecer horizontes posibles y deseables hacia donde caminar juntos. La búsqueda y el aprendizaje constante en discusión y consenso, es una apuesta en común en desarrollar ideas y estrategias para que este proyecto de trabajo colectivo que cumple 10 años.

Es también un espacio de trabajo colaborativo en el cual las decisiones se establecen de manera horizontal. Los integrantes de la cooperativa mantienen un salario igualitario a través de un fondo común. Difunden sus trabajos a través de la prensa nacional, internacional, y en espacios que pueden variar entre una sala de exposición y la vía pública. No sólo intervienen fotógrafos, sino que participan activamente diseñadores, periodistas y escritores, en un intento de complejizar a partir de múltiples herramientas y lenguajes diversos, las narraciones que se desarrollan. «Porque ante todo somos contadores de historias».

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El colectivo ha editado el libro «Cumbia» (2006). En 2009, recibió el 1° Premio de la Bienal de Arte de Cuenca, Ecuador. En 2011, el 1° Premio del Concurso POYI (Picture of the Year Latinoamérica) en la categoría «Retrato de vida cotidiana», y en 2013, el 2º premio en la categoría «Nuestra Mirada». Recientemente, fueron galardonados con la mención del jurado del premio Petrobras 2014.

En esta celebración de su década ganada, con un montaje que desborda el formato de muestra fotográfica, explora las posibilidades de la fotografía como instalación y el relato visual como experiencia. Se presentan imágenes de gran tamaño en distintos formatos y técnicas, intervenciones que remiten a códigos visuales callejeros, cajas de luz y video.

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Puerto Quilombo, en honor a esos territorios autónomos creados por esclavos cimarrones, es un territorio imaginado; una zona de transición y espacio de encuentro construido colectivamente. Puede leerse, incluso, un juego lingüístico alusivo al desarrollo enmarañado y en constante transformación de las ciudades latinoamericanas.

Como en un palimpsesto, se reescriben estilos y técnicas fotográficas; el documento se vuelve poesía para cimentar esta metrópoli soñada que dejará de existir sólo para volver a erigirse en otro lugar.

Angel Marcos y el sueño perdido de las ciudades

Ángel Marcos, fotógrafo contemporáneo español de prestigio internacional, realiza un recorrido por los tres primeros trabajos del proyecto Alrededor del sueño [Escenarios para el vacío], que comprende archivos de imágenes realizadas en Nueva York, Cuba y China, a los que se suma el nuevo archivo sobre Madrid realizado en 2014. Todo sucede en el espacio Canal de Isabel II de Madrid.

 

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La muestra ofrece una selección de imágenes de los tres primeros trabajos del proyectoAlrededor del sueño [Escenarios para el vacío] y obras de nueva producción realizadas en Madrid específicamente para esta sala, que ofrecen una visión general del proyecto y de la columna que lo vertebra: la desaparición de “la ciudad” como orden determinado y determinante de la idea de progreso global. La exposición trata básicamente de la experiencia del fotógrafo teniendo a Madrid como objetivo.

Madrid 6. 2014 ? ?ngel Marcos

La exposición está compuesta por un conjunto de obras, la mayoría inéditas: doce de ellas de gran formato, una instalación de más de veinte elementos en acero con fotografías retroiluminadas, una pieza central con cerca de doscientas fotografías sobre Madrid y dos vídeos. En la planta baja de la sala se muestran los tres primeros archivos de imágenes, sirviendo de cimentación, introducción y discurso teórico de lo que es el nuevo proyecto expositivo sobre Madrid. La ciudad de Madrid, como cuarto capítulo, ocupa las restantes plantas de la Sala Canal de Isabel II.

Exposici?n Angel Marcos. Sala Canal (1)

Ángel Marcos (Medina del Campo, 1955) trabaja la imagen fotográfica como herramienta de creación, dentro de la cultura de la contemporaneidad. Su primera exposición individual la realiza en 1982 en la galería Siena de Valladolid y desde esa fecha no ha cesado de exponer en los más importantes centros y museos nacionales e internacionales. Participa en la última edición de la Bienal de Venecia con el proyecto La subversión íntima (2013) y sus obras forman parte de reconocidos museos y colecciones como el MNCARS, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y F.N.A.C. París, entre otros.

Fuente: masdearte.com