Videitos: Flor Battiti habla sobre el rol del curador

En una entrevista exclusiva de la interesantísima web Campo Artístico que realiza una serie de micro documentales de producción independiente, dedicados a documentar y difundir las producciones artísticas contemporáneas y el trabajo de los agentes de la escena local a través de entrevistas espontáneas de acceso libre y gratuito, la última entrevista del año fue a la curadora del Parque de la Memoria, y ex-curadora del Malba, entre otros tanto trabajos independientes, la sensible y talentosa Florencia Battiti. Acá va en 7 minutos.

Video ©CampoArtístico

El cubano Carlos Garaicoa x 2 en España

Dos exposiciones simultáneas en Madrid y Santander presentan la obra más reciente del artista cubano Carlos GaraicoaOrden Inconcluso (político‐poético), curada por Agustín Pérez Rubio,director del MALBA, en el Centro de Arte Dos de Mayo (CA2M),  Orden Aparente (poético‐político), en la Fundación Botín, comisariada por Vicente Todolí.

La muestra en la Fundación Botín reúne cerca de 35 obras realizadas en diversos medios -instalación, vídeo, fotografía, escultura, libros pop‐up y dibujos-, realizadas entre 2009 y 2014, y que permiten al visitante un acercamiento al imaginario estético y al discurso crítico de Garaicoa, en los que subyace la ciudad como representación de la memoria individual y colectiva.

Se incluyen en este recorrido obras como Las Joyas de la Corona (The Crown Jewels, 2009), o aproximaciones más poéticas como Jardín (de la serie La ciudad vista desde la mesa de casa, 1998) y Porque toda ciudad tiene derecho a llamarse Utopía (Because every city has the right to be called Utopia, 2001). Además, se presentan trabajos de la producción más reciente del artista, como Escala 1:1 (Scale 1:1, 2014), De la serie Edificios parlantes (From the Series Talking Buildings, 2011) o su nueva serie de dibujos Infames casas ocultas (Infamous Hidden Houses, 2014), entre otras.

Junto a ellas se exhibe una pieza concebida específicamente para la muestra en la Fundación Botín: Proyecto Frágil (Santander, 2014), que recrea, usando delgadas láminas de vidrio unidas por imanes, una gran ciudad portuaria con su geografía, barcos y grúas. Este tipo de obra, que el artista viene desarrollando desde 2010, remite a la fragilidad de la ciudad y de ciertas zonas de explotación de su potencial económico o político. Garaicoa realizó un proyecto similar para la isla Cockatoo durante la Bienal de Sydney 2013.

Otra obra donde emplea los mismos materiales es Wer im Glashaus sitzt… (If you have a glass house…, 2013), en la que reprodujo el museo Haus der Kunst de Munich, donde tuvo lugar la famosa exhibición de arte degenerado durante el fascismo.

Orden Aparente (poético‐político) enfatiza el carácter procesual del trabajo de Carlos Garaicoa, mostrando diferentes realidades sociales, cuestiones como la capacidad de la arquitectura para alterar el curso de la historia, el fracaso de la modernidad como un catalizador para el cambio social o la decadencia de las utopías del siglo XX. Con sus comentarios “poético‐políticos” Garaicoa irrumpe en la arquitectura de las ciudades y los paisajes que habitamos en pleno siglo XXI, dando forma a imágenes que trascienden las palabras y los hechos, las crisis y las utopías.

Desde sus primeras intervenciones en la calle, haciendo uso de la fotografía en su concepción estrictamente documental, hasta su producción más reciente, la arquitectura de las ciudades, y de La Habana en particular, ha sido un pretexto reiterado para articular un discurso irónico y crítico en el que los edificios que las conforman son utilizados como metáfora de utopías tanto arquitectónicas como sociales. Como afirma Vicente Todolí, comisario de la muestra, se trata de “un empeño subyacente por desarrollar una poética de la sospecha, motivado, en última instancia, por la necesidad de saber si alguna vez hemos sido engañados”.

Y es en algunas obras presentes en la exposición, como Las Joyas de la Corona (The Crown Jewels, 2009), una serie de ocho maquetas en miniatura realizas en plata fundida que reproducen emblemáticos edificios símbolos de la represión, la vigilancia y el control del Estado como la Stasi, la KGB, el Pentágono o la Base Naval de Guantánamo, donde esa necesidad, sumada a lo lírico y lo político, se pone claramente de manifiesto.

Según explica Carlos Garaicoa, “en esta obra, creada a partir de fotografías y textos amañados y de cuestionable credibilidad, utilizo una especie de licencia poética, edito y corrijo imágenes para suplantar la falta de información” en un intento por hacer visible lo oculto y cuestionar lo que oficialmente se nos presenta.

Vista de la instalación Las Joyas de la Corona (2009), de Carlos Garaicoa. 8 esculturas de plata, madera y vidrio. Dimensiones variables. Cortesía del Artista, Galería Elba Benítez (Madrid) y Galería Continua (San Gimignano/Beijing/Les Moulins). Foto: Ela Bialkowska

Carlos Garaicoa, Base Naval de Guantánamo, 2009, escultura de plata, 0.5 x 6,5 x 6.5 cm. Cortesía del artista, Galería Elba Benítez (Madrid) y Galería Continua (San Gimignano/Beijing/Les Moulins). Foto: Ela Bialkowska

Carlos Garaicoa, Estadio Nacional de Chile, 2009, escultura de plata, 3 x 14 x 8 cm. Cortesía del artista, Galería Elba Benítez (Madrid) y Galería Continua (San Gimignano/Beijing/Les Moulins). Foto: Ela Bialkowska

Carlos Garaicoa, Pentágono, 2009, escultura de plata, 1.5 x 9 x 9 cm. Cortesía del artista, Galería Elba Benítez (Madrid) y Galería Continua (San Gimignano/Beijing/Les Moulins). Foto: Ela Bialkowska

Y es que la imagen fotográfica ha sido utilizada desde sus inicios como coartada para sustentar los discursos históricos y ayudar a construir el complejo corpus ideológico que prefigura y perpetúa un orden. Un buen ejemplo es De la serie fotógrafo de domingo (Ucrania) (From the Series Sunday Photographer (Ukraine) 2013). Esta obra parte de una documentación fotográfica que el artista realizó en una antigua fábrica de acero de la época socialista en Donetsk (Rusia) y que, posteriormente, fue alterada en el ordenador para crear imágenes que remiten a la pintura impresionista. En un espacio poblado de imaginería soviética, que todavía transpira la presencia de miles de trabajadores, el artista intenta combinar la documentación de un pasado venido a menos con la edulcoración que le proporciona la pincelada quebrada y los altos contrastes de colores. Una acción que erróneamente podría tildarse de nostálgica y que, sin embargo, reclama nuestra atención sobre temas aún irresueltos de la historia del siglo XX.

También se sirve Carlos Garaicoa de los mapas y del dibujo técnico, que, como convenciones, lejos de mostrar una imagen neutra y objetiva, omiten y resaltan rasgos para presentar una visión sesgada de la realidad: un Orden Aparente, como reza el título de la muestra. La serie de mantas de corte inspiradas en los planos de arquitectos (blueprints) nos enfrenta, desde el simple esquema de un cajetín donde se suelen colocar los planos de un edificio, al espacio vacío y a la posibilidad infinita del lenguaje para describir y recrear nociones y espacios imaginarios.

La realidad y sus propuestas de completamiento o reforma, ya sean utópicas o plausibles, son el leitmotif de los libros pop‐up del artista, que recogen sus dípticos de fotografía y dibujo desde inicios de los noventa hasta la actualidad.

Carlos Garaicoa, De la serie La palabra transformada (IV), 2009, caja de luz, cinta adhesiva calada a mano sobre manta de corte, fotografía duratrans B/N, madera, cables eléctricos, luces led, 63.5 x 90.5 x 10.5 cm. Cortesía del artista, Galería Elba Benítez (Madrid) y Galería Continua (San Gimignano/Beijing/Les Moulins). Foto: Oak Taylor Smith

Carlos Garaicoa, Sin título (Chocolatería), 2014, alfileres e hilo sobre fotografía lambda montada y laminada dobre gator board, 125 x 160 cm. Cortesía del artista, Galería Elba Benítez (Madrid) y Galería Continua (San Gimignano/Beijing/Les Moulins). Foto: Oak Taylor Smith

 

La exhibición de Garaicoa en el CA2M (Centro de Arte Dos de Mayo de la Comunidad de Madrid) reúne una selección de trabajos -fotografía, instalaciones y objetos- en los que el artista reflexiona sobre las distintas realidades económicas y políticas de dos de los países donde ha vivido: Cuba y España. En estas obras la arquitectura y la ciudad aparecen como un telón de fondo o escena desde donde se dan, a modo de teatro, acciones que reivindican el sentir ciudadano, como las manifestaciones o las pintadas en muros.

La muestra intenta poner en relación los grandes proyectos sociales de la arquitectura de décadas pasadas y las nuevas estructuras macroeconómicas, con las micro-realidades ciudadanas, es decir, con las reivindicaciones de los ciudadanos. Todo ello en un recorrido que va desde lo más sencillo y sensible como es la calle y el ciudadano a las altas esferas de lo político y económico como son los bancos y los gobiernos.

Los proyectos utópicos que se incluyen en la exposición se relacionan con los muros de las ciudades donde sus habitantes claman un nuevo orden estructural y no sólo político o económico. Piezas como Saving the Safe (Bundesbank) y Saving the Safe (Banco de España) son el reflejo del poder financiero, mientras que otras obras reflejan el sentir ciudadano. Es el caso de las alcantarillas situadas en las calles alrededor del CA2M y desde donde el artista increpará al espectador con nuevos eslóganes.

Vista de la exposición Orden Inconcluso, de Carlos Garaicoa, en el Centro de Arte Dos de Mayo, Madrid, 2014. Cortesía: CA2M

Vista de la exposición Orden Inconcluso, de Carlos Garaicoa, en el Centro de Arte Dos de Mayo, Madrid, 2014. Cortesía: CA2M

Vista de la exposición Orden Inconcluso, de Carlos Garaicoa, en el Centro de Arte Dos de Mayo, Madrid, 2014. Cortesía: CA2M

La exposición pretende trazar varias líneas conceptuales entre diferentes épocas de la obra de Carlos Garaicoa a través de una precisa selección de trabajos que tienen como denominador común tanto la economía y la arquitectura como el poder, el control y la utopía. Además, presenta una nueva serie de piezas realizadas ex profeso para este proyecto que intentan ahondar y enmarcar más profundamente esta intención del artista en conectar las diversas realidades políticas y económicas que le ha tocado vivir.

Tras su paso por el CA2M, la muestra podrá verse a lo largo de 2015 en el Museo Nacional de Noruega (Oslo) y en Villa Stuck (Múnich).

Con motivo de las exposiciones Orden Aparente (poético‐político) en la Fundación Botín y Orden Inconcluso (político‐poético) en el Centro de Arte Dos de Mayo (CA2M) se publicará un catálogo en dos volúmenes donde se incluirán obras de ambas muestras. Esta edición también recogerá algunos proyectos anteriores de Carlos Garaicoa que, en su conjunto, permitirán profundizar más en los procesos e investigaciones de este artista.

La exposición de la Fundación Botín acoge obras provenientes de la colección propia del artista, de las galerías que lo representan -Elba Benítez (Madrid), Galleria Continua (San Gimignano/Beijing/Les Moulins) y Galeria Luisa Strina (São Paulo)- y de colecciones privadas provenientes de España, Brasil, Portugal e Italia.

Vista de la exposición Orden Inconcluso, de Carlos Garaicoa, en el Centro de Arte Dos de Mayo, Madrid, 2014. Cortesía: CA2M

Carlos Garaicoa (La Habana, Cuba, 1967) es uno de los artistas cubanos con mayor reconocimiento a nivel internacional. Entre sus exposiciones individuales más recientes cabe destacar las celebradas en el Museo ICO de Madrid durante el Festival PhotoEspaña 12, el Irish Museum of Modern Art de Dublín (2010), el Museo Nacional de Bellas Artes de Cuba (2009), La Caixa Cultural de Río de Janeiro (2008), el Institute of Contemporary Art en Philadelphia (2007) o el Royal Ontario Museum de Toronto (2006). Además, ha participado en la Documenta de Kassel y las Bienales de Venecia, São Paulo y La Habana.

Su obra ejerce de vínculo entre la que ha sido llamada la “generación de los ochenta” en Cuba y una generación más joven que empieza a consolidarse en la isla a partir de los años noventa, movimientos artísticos que constituyen lo que se ha denominado Nuevo Arte Cubano. Así, los comienzos de la carrera artística de Garaicoa coinciden con una de las etapas más difíciles vividas por los cubanos nacidos a partir de 1959, el llamado Período Especial, que sucedió al colapso del socialismo real en Europa del Este y al fin de la Guerra Fría. Probablemente debamos buscar en estos antecedentes la razón por la que Garaicoa sea un artista dotado con una capacidad intuitiva tan elevada y con un interés marcado por el modo en que se construyen y ponen en circulación las estructuras ideológicas. Su obra pone en cuestionamiento tanto el espacio institucional de la galería, como la misma noción de obra de arte, o la propia idea de autoría. Una heterogeneidad expresiva mediante la cual el creador se enfrenta de una manera contundente a la tradicional noción de estilo.

Vista de la exposición Orden Inconcluso, de Carlos Garaicoa, en el Centro de Arte Dos de Mayo, Madrid, 2014. Cortesía: CA2M

Vista de la exposición Orden Inconcluso, de Carlos Garaicoa, en el Centro de Arte Dos de Mayo, Madrid, 2014. Cortesía: CA2M

Vista de la exposición Orden Inconcluso, de Carlos Garaicoa, en el Centro de Arte Dos de Mayo, Madrid, 2014. Cortesía: CA2M

Vista de la exposición Orden Inconcluso, de Carlos Garaicoa, en el Centro de Arte Dos de Mayo, Madrid, 2014. Cortesía: CA2M

Vista de la exposición Orden Inconcluso, de Carlos Garaicoa, en el Centro de Arte Dos de Mayo, Madrid, 2014. Cortesía: CA2M

Españoles en la Bienal de la Imagen en Movimiento

El CCEBA Centro Cultural de España en Buenos Aires, dependiente de la Embajada de España en Argentina, presenta la participación de los artistas españoles Raquel Ponce, Gregorio Viera y el colectivo Cráter en el marco de la Bienal de la Imagen en Movimiento (BIM) en colaboración con Centro Atlántico de Arte Moderno (CAAM), Alianza Francesa y Museo de la Universidad Nacional Tres de Febrero (Muntref) Centro de Arte Contemporáneo. AlgunasCosas Sistema1 GregorioViera BIM

Algunas cosas, Gregorio Viera

La muestra … En la punta de la lengua inaugura el 18 de noviembre, a 19 horas en la sede CCEBA Paraná 1159, con las obras Back, de Raquel Ponce, y Camisetas, pistolas de plástico, trompeta y algunas cosas más, de Gregorio Viera. Con entrada libre y gratuita hasta el 18 de diciembre (lunes a viernes de 10:30 a 20 horas), la exposición nació como un encargo del director artístico del CAAM, Omar Pascual Castillo, a la curadora Gopi Saradarangani, para impulsar el ciclo Ficción Documental, en el que se aborda los nuevos caminos de investigación estética en torno al documento videográfico y fotográfico y la ficción del performance. Back RaquelPonce BIM

Back, Raquel Ponce

Basadas todas las obras en los residuos procesuales de la creación de una obra de arte mediante la documentación videofotográfica, a partir de un imaginario en el que se ahonda en la experiencia del individuo, el trabajo de Raquel Ponce tantea la idea del vacío, la huella del sujeto en el espacio, entendido como espacio de trabajo (taller o atelier del arte actual), mientras que el montaje de Gregorio Viera rastrea “la idea de la relación narrativa que tenemos con los objetos y nosotros mismos”. Los dos artistas canarios participan en una charla el 27 de noviembre, a las 15 horas en CCEBA Paraná 1159, también con entrada libre y gratuita. El taller de revelado fílmico artesanal, dictado por Luis Macías como cofundador de Cráter-Lab, se imparte 25, 26 y 28 de noviembre, de 10 a 13 horas en Muntref Centro de Arte Contemporáneo (Antártida Argentina 1355). Dirigida a artistas, cineastas, estudiantes y cualquier persona interesada en la creación de imágenes en movimiento, la materialidad fílmica y los procesos artesanales de creación y experimentación cinematográfica, la propuesta incluye una introducción al revelado de película Súper 8 en blanco y negro, indagando en la respuesta de su análoga, la película de 16mm; y una filmación colectiva con cámara Bolex 16mm para después poner en práctica diversos procesos de revelado: el desarrollo en negativo, reversible-inversible y otros métodos alternativos con productos naturales. ReelsAndLights Crater BIM

Reels & Lights, Cráter

La proyección Umbrales inasibles del colectivo Cráter, integrado por Adriana Vila y Luis Macías, exhibe el 29 de noviembre, a las 20 horas en la Alianza Francesa (Córdoba 936), las obras Red Over the Right Eye (España-Venezuela, 2012; 12′, super 8/ 16 mm, sonido óptico y sensores de luz, proyección 1 x Súper 8 + 2 x 16 mm) y Reels & Lights (España-Venezuela, 2012; 22′, sin película, sonido óptico, micros de contacto y sensores de luz, proyección 16 mm proyector + luz estroboscópica). Con entrada libre y gratuita, desaconsejada para personas con epilepsia, en el programa doble de cine expandido la imagen física es sustituida por la incandescencia, los orígenes son eclosionados en una experiencia perceptiva demoledora para las sutiles comodidades de la retina.

Puerto Quilombo: 10 años de SubCoop, un nuevo ojo en la fotografía argentina

En vísperas de cumplir diez años de trabajo colectivo, Sub, Cooperativa de fotógrafos presenta su nueva exposición: Puerto Quilombo, en colaboración con la curadora Victoria Verlichak. La muestra inaugura el jueves 13 de noviembre 2014, a las 19 horas, en la Sala 12 del Centro Cultural Recoleta.

 Sub es una cooperativa de fotógrafos nacida en Buenos Aires a fines de 2004. El proyecto está integrado por 7 miembros: Gisela Volá, Nicolás Pousthomis, Gerónimo Molina, Martín Barzilai, Verónica Borsani, Gabriela Mitidieri, en Buenos Aires, y Olmo Calvo Rodríguez, en Madrid.

2-Sub

Su trabajo profundiza en la creación de una identidad colectiva y la realización de investigaciones fotográficas. Los miembros de Sub comparten ideas para establecer horizontes posibles y deseables hacia donde caminar juntos. La búsqueda y el aprendizaje constante en discusión y consenso, es una apuesta en común en desarrollar ideas y estrategias para que este proyecto de trabajo colectivo que cumple 10 años.

Es también un espacio de trabajo colaborativo en el cual las decisiones se establecen de manera horizontal. Los integrantes de la cooperativa mantienen un salario igualitario a través de un fondo común. Difunden sus trabajos a través de la prensa nacional, internacional, y en espacios que pueden variar entre una sala de exposición y la vía pública. No sólo intervienen fotógrafos, sino que participan activamente diseñadores, periodistas y escritores, en un intento de complejizar a partir de múltiples herramientas y lenguajes diversos, las narraciones que se desarrollan. «Porque ante todo somos contadores de historias».

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El colectivo ha editado el libro «Cumbia» (2006). En 2009, recibió el 1° Premio de la Bienal de Arte de Cuenca, Ecuador. En 2011, el 1° Premio del Concurso POYI (Picture of the Year Latinoamérica) en la categoría «Retrato de vida cotidiana», y en 2013, el 2º premio en la categoría «Nuestra Mirada». Recientemente, fueron galardonados con la mención del jurado del premio Petrobras 2014.

En esta celebración de su década ganada, con un montaje que desborda el formato de muestra fotográfica, explora las posibilidades de la fotografía como instalación y el relato visual como experiencia. Se presentan imágenes de gran tamaño en distintos formatos y técnicas, intervenciones que remiten a códigos visuales callejeros, cajas de luz y video.

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Puerto Quilombo, en honor a esos territorios autónomos creados por esclavos cimarrones, es un territorio imaginado; una zona de transición y espacio de encuentro construido colectivamente. Puede leerse, incluso, un juego lingüístico alusivo al desarrollo enmarañado y en constante transformación de las ciudades latinoamericanas.

Como en un palimpsesto, se reescriben estilos y técnicas fotográficas; el documento se vuelve poesía para cimentar esta metrópoli soñada que dejará de existir sólo para volver a erigirse en otro lugar.

Angel Marcos y el sueño perdido de las ciudades

Ángel Marcos, fotógrafo contemporáneo español de prestigio internacional, realiza un recorrido por los tres primeros trabajos del proyecto Alrededor del sueño [Escenarios para el vacío], que comprende archivos de imágenes realizadas en Nueva York, Cuba y China, a los que se suma el nuevo archivo sobre Madrid realizado en 2014. Todo sucede en el espacio Canal de Isabel II de Madrid.

 

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La muestra ofrece una selección de imágenes de los tres primeros trabajos del proyectoAlrededor del sueño [Escenarios para el vacío] y obras de nueva producción realizadas en Madrid específicamente para esta sala, que ofrecen una visión general del proyecto y de la columna que lo vertebra: la desaparición de “la ciudad” como orden determinado y determinante de la idea de progreso global. La exposición trata básicamente de la experiencia del fotógrafo teniendo a Madrid como objetivo.

Madrid 6. 2014 ? ?ngel Marcos

La exposición está compuesta por un conjunto de obras, la mayoría inéditas: doce de ellas de gran formato, una instalación de más de veinte elementos en acero con fotografías retroiluminadas, una pieza central con cerca de doscientas fotografías sobre Madrid y dos vídeos. En la planta baja de la sala se muestran los tres primeros archivos de imágenes, sirviendo de cimentación, introducción y discurso teórico de lo que es el nuevo proyecto expositivo sobre Madrid. La ciudad de Madrid, como cuarto capítulo, ocupa las restantes plantas de la Sala Canal de Isabel II.

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Ángel Marcos (Medina del Campo, 1955) trabaja la imagen fotográfica como herramienta de creación, dentro de la cultura de la contemporaneidad. Su primera exposición individual la realiza en 1982 en la galería Siena de Valladolid y desde esa fecha no ha cesado de exponer en los más importantes centros y museos nacionales e internacionales. Participa en la última edición de la Bienal de Venecia con el proyecto La subversión íntima (2013) y sus obras forman parte de reconocidos museos y colecciones como el MNCARS, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y F.N.A.C. París, entre otros.

Fuente: masdearte.com

 

Leon Ferrari fotógrafo

Bajo la curaduría de Alexis Fabry, en colaboración con la Fundación Augusto y León Ferrari, la galería neoyorquina Josée Bienvenu presenta por primera vez al público el trabajo fotográfico de León Ferrari (Buenos Aires, 1920-2013). La exposición incluye veinte fotografías vintage únicas que datan entre 1970 y 1980, un cuerpo de obra íntimo, raro por su naturaleza de registro de un artista que mira su propio trabajo.

La fotografía estuvo incorporada y siempre presente en la obra de Ferrari a la manera de collages de periódicos o como soporte de su serie Brailles. Sin embargo, su investigación más directa y personal del medio como tal ha permanecido inédita hasta la fecha. Por más de dos décadas, Ferrari produjo un corpus de fotografías casi abstractas que retratan sus propias esculturas de acero.

Las impresiones en blanco y negro de escala relativamente pequeña que se muestran en esta exposición documentan relaciones entre líneas y espacio negativo. El disfrute de Ferrari en retratar sus esculturas se hace evidente en el encuadre e iluminación cuidadosamente calibrados, y en la sutileza de los matices de gris. Las fotografías de Ferrari capturan su deambular a través de las infinitas redes de sus esculturas, revelan ángulos íntimos a través de enfoques y desenfoques, y se convierten en un testimonio de su forma de acercarse y relacionarse con su propia práctica.

León Ferrari, Sin título, 1979, impresión vintage sobre gelatina de plata, 9,4 x 7 pulgadas (20.69 x 16.75 pulgadas enmarcada). Unica. Cortesía: Josée Bienvenu

León Ferrari, Sin título, 1979, impresión vintage sobre gelatina de plata, 9,4 x 7 pulgadas (20.69 x 16.75 pulgadas enmarcada). Unica. Cortesía: Josée Bienvenu

León Ferrari, Sin título, 1979, impresión vintage sobre gelatina de plata, 3,5 x 4,5 pulgadas (10,84 x 12,81 pulgadas enmarcada). Unica. Cortesía: Josée Bienvenu

León Ferrari, Sin título, 1979, impresión vintage sobre gelatina de plata, 3,5 x 4,5 pulgadas (10,84 x 12,81 pulgadas enmarcada). Unica. Cortesía: Josée Bienvenu

Vista de la exposición León Ferrari: Fotógrafo, en Josée Bienvenu, Nueva York, 2014. Impresiones vintage sobre gelatina de plata. Cortesía: Josée Bienvenu

Vista de la exposición León Ferrari: Fotógrafo, en Josée Bienvenu, Nueva York, 2014. Impresiones vintage sobre gelatina de plata. Cortesía: Josée Bienvenu

León Ferrari: Fotógrafo

Josée Bienvenu, Nueva York

Del 13 de septiembre al 25 de octubre de 2014

 

Fuente: Artishock

Pure evil: El lado oscuro de la pintura

Investigación Juanny Carballo

La pesadilla de Richard Burton, stencil rociado sobre tela, es la nueva serie del artista que se hace llamar Pure Evil y cuya obra gira como un virus en las redes sociales. Así nos llegó a jaquealarte, por varios medios e insistentemente. Te la presentamos y te contamos que el tal Pure Evil se dice descendiente de Sir Thomas More, el autor del maravilloso y controversial libro llamado Utopía. Por este legado Pure Evil considera -según cuenta en su web- que es por su estirpe que decidió dedicar su obra a explorar las hendijas de los sueños de la utopía y el mito del apocalipsis, una creencia en el mundo en permanente movimiento que nos presenta la historia con todos sus conflictos encausados hacia su propia exterminación.

Esto hace para contarlo:

 

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El “nuevo” Malba de Agustín Pérez Rubio

Agustín Pérez Rubio conoce Buenos Aires desde hace casi 20 años, cuando asistía a arteBA con el stand de la Comunidad Valenciana de donde es oriundo. Miles de días después de promover el arte de su tierra, llega ahora -como fue anunciado por todo lo alto, como dirían en España- a la dirección artística del Museo de Arte Latinoamericano de Bs As aka MALBA, a cubrir un puesto que no existía y que sólo fue ostentado por muy poco tiempo por el mexicano Agustín Arteaga cuando el museo inauguró.

Pérez Rubio asumió este viernes 1o.de agosto y quizá como clave de la gestión que acaba de iniciar y que recién verá sus frutos a partir de 2015 -2014 ya esta armada por la gestión anterior- se puede ver lo que ocurrió el día en que se hizo público su cargo, allá por mayo. El mismo día el MALBA recibía la donación de una obra de Cildo de Meireles hecha por el mismo artista y su galería paulista, Luisa Strina. Se trata nada más y nada menos que de Inserción en circuitos ideológico-Proyecto coca cola.

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“Insistí mucho para que el MALBA tuviese en su colección una obra de Cildo de Meireles, a quien considero uno de los grandes artistas contemporáneos de America Latina”, nos dijo Pérez Rubio en una charla informal sentados cerca de UTurn en la Rural en el pabellón de arteBA 2014, cuando vino a curar el espacio sponsorizado por Mercedes Benz y ya desde ahí también empezó a marcar la tendencia que seguramente será el signo de su gestión. Una curaduría que se basa en los vínculos: en el caso de Uturn se interesó por enlazar memoria, presente  y futuro bajo los conceptos de genealogía y relaciones no sólo basadas en el imaginario de los artistas convocacados sino también en sus afectos. Es interesante y novedosa, al menos para lo que será su gestión en el MALBA, esta idea de los vínculos. Pérez Rubio no viene solo a curar  muestras de arte, llega para darlo vuelta todo -en el mejor sentido- y aplicar su concepto de vinculación a las artes visuales con el cine, con la literatura y  con todo lo que él mismo llamó ese día de nuestra conversación la “familia Malba”.

Perez Rubio fue elegido por Eduardo Constantini luego de una gira por más de 10 curadores, la elección se basó en su experiencia de gestión en el MUSAC y en sus  importantes curadurías por todo el mundo, que dan el perfil internacional que buscaba la institución: una persona que se haga cargo del museo integralmente, que sea capaz de llevar por él gestiones en el exterior y que tenga una visión abarcadora de cada compartimento del museo. Rubio aceptó el cargo imponiendo sus condiciones: poder trabajar con la estructura total del museo y tener el derecho -y el deber, agregamos aquí- de poder modificarla.

Así esperamos que la colección sea narrada de otro modo y que, como comentó, si viene a una muestra Sophie Calle, a la vez de haga un ciclo de Paul Auster -quien le compró la idea de sacar fotos en una esquina de Brooklyn cada día a la misma hora para una de sus novelas- y que a la vez el espacio de cine puede dar, entendemos, un ciclo que incluya la película de Ang Lee donde se aprecian las escena tomadas de la cabeza de Sophie Calle. Esto explicado un poco linealmente.

Se respira ilusión ante esta nueva gestión en Buenos Aires luego de un largo tiempo de acefalía en el museo al que vamos todos. Desde jaque le deseamos a PRubio mucha suerte y le pedimos creatividad, imaginación, coraje y seriedad en el trabajo que le queda por delante por tiempo indefinido, porque así es su contrato. “A brillar, mi amor”.

 

Charly Nijensohn, cinema expandido & Estado de emergencia x 1a. vez en Bs.As

Hoy, esta tarde, a las 7 pm, se producirá el regreso a Buenos Aires de Charly Nijensohn, actualmente residiendo en Berlín junto a su compañera Marula di Como y sus vástagos. Llega Charly, un artista muy querido por sus contemporáneos acompañado de su obra que será proyectada por primera vez en Espacio Fundación Telefónica (Arenales y Montevideo) bajo el nombre de Estado de emergencia, una videoinstalación en la que la se presentan cuatro trabajos emblemáticos de los últimos ocho años de su producción ya exhibidos en otro formato en Bs As y en otras partes del mundo: Carachi Pampa (Catacamarca), Dead Forest, (Amazonas), El naugragio de los hombres (Salar de Uyum, Bolivia) y Después del final (Groenlandia). No es la primera vez que hablamos de él en este sitio.01 Pero ahora hay otra primicia: Se exhibirán por primera vez en Buenos Aires como cinema expandido como doce proyecciones en sincro bajo el pulso de un sonido inmersivo que concentran 30 años de trayectoria de Charly con la creación artística. 12 Para los que no lo conocen, les contamos que Charly Nijensohn, trabaja sobre la idea de una confrontación entre lo humano y las fuerzas naturales del universo que lo rodea: busca desiertos peculiaries, desde el Amazonas hasta los salares de Bolivia pasando por Catamarca y Groenlandia.Charly Nijensohn 05 Es en esa tensión inestable, que sus personajes navegan a través del tiempo y el espacio. Una situación real y existencial, en una linea de horizonte que se torna hostil, calma o indiferente. Charly-Nijensohn-1 Un paisaje amenazador que plantea preguntas sin respuestas. Hoy a las 7pm, musicaliza su hermano el gran DJ Dany Nijensohn que desde los 70 hace bailar a generaciones. Una muestra que será una fiesta de lujo. Gratis e imperdible. Aquí el video El naufragio de los hombres, 7mo día:

 

Hasta el 29 de noviembre de lunes a sábado – 14 a 20:30hs
Domingos y feriados cerrado. Entrada libre y gratuita

Todas las fotografías © Charly Nijensohn