Williams en el MoMA: La superficialidad de la superficie, adiós al momento Kodak

Por Martín Volman

“Y sin duda nuestro tiempo… prefiere la imagen a la cosa, la copia al original, la representación a la realidad, la apariencia al ser” Ludwig Feuerbach


“The production line of happiness“, de donde toma el nombre la muestra de Christopher Williams actualmente en curso en el MoMA, es una frase que pronuncia un obrero entrevistado por Jean Luc Godard en uno de sus documentales haciendo referencia al proceso de edición.

 Williams (1956) estudió en el CIA (California Institute of the Arts) a mediados de los ‘70s con la primer ola de artistas conceptuales de la costa oeste: Baldessari, Huebler y Asher, entre otros.  En la muestra The production line of happinnes, recientemente inaugurada, expone más de cien imágenes y un programa de cine experimental curados por él mismo, allí los conceptos que giran en torno a las imágenes son siempre los mismos: la fotografía como medio, el rol de las imágenes y de la publicidad, el consumo y el capitalismo.

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Así por ejemplo en esta obra de 2008 que podría ser una fotografía publicitaria se presentan pecas prominentes de la piel sin editar junto a pies sucios de la modelo. En otras imágenes exhibidas, el artista estadounidense revisa cómo se usa a la mujer para vender.

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La imperfección y el sentido del humor también están presentes en su obra. Es la anti – foto, la imagen que jamás sería aceptada. Williams parece así reírse de la mentira del marketing y la publicidad.

2Para el filósofo checo Vilem Flusser la cámara es un objeto postindustrial. Está programada hacer fotografías y “cada fotografía es una realiación de las posibilidades contenidas en el programa de la cámara”. Así, aparecen en sus imágenes algunos medios de producción del fotógrafo: fotómetro, cámaras, lentes el cuarto oscuro, entre otros.

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Walter Peterhans decía que la imagen se toma antes de presionar el obturador. Williams es más que un artista conceptual, es más que un fotógrafo. Diseña las escenografías pero no hace las tomas.

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Es, ante todo un gran editor. En sus imágenes, investiga la superficialidad de la superficie. Capa tras capa se ocultan más detalles, más referencias (¿a otras imágenes?, ¿a la fotografía?), a las historias que están en la capa 0, el fondo. Así, con la yuxtaposición de capas, se convierte, no sin querer, ’ en un gran narrador.

 

Videitos del week end: Las fotografías de Oscar Muñoz in progress en París

En Magazine, el diario on line de la Jeu de Paume, produjeron un video que muestra, probablemente por primera vez, el proceso de realización de las obras del gran artista colombiano Oscar Muñoz. En jaque, queremos compartirlo porque nos parece excepcional. Acá va:

Bonus track: un recorrido por la muestra que hoy tiene lugar en París.

Bellos jueves en el Bellas Artes


Bajo la curaduría general de Santiago Villanueva y la coordinación musical de DJ Villa Diamante, el último jueves de cada mes, el Museo Nacional de Bellas Artes invitará a artistas, músicos y poetas, a presentar tanto obras inéditas, como trabajos exhibidos en otros contextos. La idea es fomentar la participación de jóvenes artistas en la  programación del MNBA y repensar las colecciones desde la producción contemporánea.

De este modo, la planta baja del museo y la terraza -espacios habitualmente estáticos durante el horario de cierre- serán ocupados con este ciclo que concreta un interés del MNBA en pensar su patrimonio en una metamorfosis constante: toda producción contemporánea altera y modifica las obras del pasado. El MNBA sostiene la idea de que las obras de su colección no mantienen un monólogo soberano, sino un dialogo permanente.

En esta primera edición, el jueves 24 de abril desde las 20:30, participarán artistas cuyas obras comparten el interés por repasar temas de actualidad y que ponen un pie en procesos históricos, espacios de conflicto y tradiciones encontradas.

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El conjunto no se presenta como una curaduría en sentido estricto, sino en relación a la colección del museo. En esta fecha intervendrán Andrés Bruck, Carlos Gradín, Martín Legón, Leandro Tartaglia, Leopoldo Estol, Valeria Piriz y Tomás Maglione. Además, contará con la participación del invitado especial: Salon1 de Amsterdam.

Asimismo habrá visitas guiadas, especialmente preparadas por el Área de Extensión Educativa del museo, a la colección y a la muestra temporaria de fotografía “La mirada en el otro” (Premios Nacionales de España).

Rep, por su parte, dará una visita especial a la muestra “Miguel Rep: Atlas de las Bellas Artes”.

La brasileña Regina Silveira borda el Museo del Amparo

La artista brasileña Regina Silviera presenta una intervención realizada ex-profeso para el cubo de cristal del vestíbulo del Museo Amparo en Puebla, México, donde a través de una metáfora plástica transforma el espacio y brinda un nuevo significado a este lugar.

Es a través de diseños de animales apropiados del imaginario popular en Puebla y realizados a gran escala en vinil recortado, agrandados al punto de llegar casi a la abstracción, que la artista recrea un bordado monumental en punto de cruz, integrado a los muros. A este bordado gigante agrega también agujas e hilos a manera de un bordado en proceso.

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La intervención se llama El sueño de Mirra, haciendo alusión a la China Poblana, cuyo verdadero nombre era Mirra, una princesa que trajeron de Asia a Puebla y a quien legendariamente se atribuye este tipo de bordados. En el espacio del vestíbulo los puntos de cruz que Regina eligió para presentar los diseños bordados, reflejan los tejidos de la región, buscando imaginariamente revestir  los muros de vidrio y así reafirmar la identidad poblana. Silveira decidió crear una obra que reflejara el imaginario popular de Puebla, y para ello utilizó como muro una superficie de vinil de 600 metros cuadrados, sobre la cual elaboró un enorme bordado con punto de cruz, como una forma de representar parte de la memoria de la ciudad colonial.

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Si recurre al punto de cruz, explica, es porque se trata de una de las formas universales del bordado. “No sé bordar, pero bordo con imaginación todo el cubo del Museo Amparo, apoyada en los procesos e impresiones digitales”.En medio de su instalación El sueño de Mirra, Silveira señala que “el artista hace trasposición poética; no me interesa escribir la historia del lugar, sino actuar poéticamente en el espacio y crear un conjunto visual”.

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La muestra, que abrirá sus puertas al público mañana sábado, está conformada además de la instalación, por videos y maquetas, en las que Silveira captura y guarda el carácter efímero de sus intervenciones en los grandes espacios arquitectónicos. El sueño de Mirra, dice la creadora, alude a la China poblana cuyo nombre era Mirra, una princesa asiática que trajeron a Puebla y a quien se le atribuye este tipo de bordados, y que si evitó ese título, fue porque no quería que se pensara que hablaba de China como país.

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“En general ha sido un reto entender los símbolos para poder utilizarlos para recubrir y resignificar este espacio. Me venían a la mente los motivos populares que encontré en los bordados de punto de cruz. Concretar mi idea me llevó dos años”, afirma la artista brasileña. El resultado es un enorme bordado incompleto, es decir, en elaboración, con agujas gigantes e hilos sueltos, con motivos populares de esta región.“La cuestión de la escala para mí fue muy importante, sobre todo el aspecto perceptivo, con la finalidad de que el público lo pudiera enfocar a la distancia y pudiera tener su propia interpretación de la obra”.

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Regina Silveira presenta además en tres salas del Museo, una constelación de doce maquetas y 6 videos de proyectos realizados en otros lugares del mundo. Las maquetas funcionan como estrategias de permanencia de sus intervenciones, generalmente efímeras y temporales. Los motivos de las sombras y las huellas son habituales entre las imágenes que inscribe en los edificios, confrontando la grandiosidad y permanencia de la construcción con la fugacidad de lo pasajero: pisadas, trazados de llantas, reflejos luminosos, sombras, huellas de animales, nubes.

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Aunado a las maquetas se presenta a escala real la obra Mundus Admirabilis misma que presentó por primera ocasión en la exposición “Jardínes de Poder” en Brasilia y que representa una metáfora realizada con insectos dañinos tomados de tratados de historia natural. En esta obra los insectos malos aislados en un gran jaula, hacían alusión a la vida política en Brasilia y específicamente a la lucha de poder y a la corrupción. En distintos formatos, desde 2007 a la fecha, esta misma obra fue exhibida en el Museu da Pampulha (Belo Horizonte), en la muestra Philagrafika (Philadelphia), en la Bienal de Poznan (Polonia), en Fundacion Ibere Camargo (Porto Alegre) y en el Museu de Arte de Sao Paulo.

 

 

 

La explotación no es el futuro del arte: Protestas en el Guggeheim de NYC contra el trabajo esclavo

Más de 40 personas tomaron en la noche del sábado la famosa rotonda del Guggenheim de NYC, cantaron consignas y desplegaron banners sobre los balcones. La intervención  fue llevada adelante por la coalicion llamada the Gulf Ultra Luxury Faction (G.U.L.F.) — y duró 20 minutos. El sitio Hyperallergic reportó los hechos que esperan llamar la atención sobre el trabajo esclavo que dicen se llevaría adelante en la construcción del franchasing del Museo en Abu Dhabi en lo Emiratos Arabes.

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Un “manifesto para la action” fue colgado de una de las paredes cercanas al texto curatorial de la muestra sobre el nuevo futurisimo italiano. “¿Es este el futuro del arte?” se podía leer en el manifiesto. “El Guggenheim expande su imperio a una isla lujosa como Abu Dhabi.

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Los trabajadores inmigrantes trabajan bajo temperaturas de 130 grados de calor y en condiciones de esclavitud”, explican allí mismo. Tanto Call Labor como Human Rights Watch están investigando estas denuncias.

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“La cultura no es una espiral de deudas. El arte no debería violar los derechos humanos. El arte no es un activo lujoso del 1%. El arte es un acto de libertad no de esclavitud -afirman en el manifiesto-. “La explotación no es el futuro del arte”.

Sakai en Macba: Cuando el jazz irrumpió en la pintura

El Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires  (MACBA) presenta la exposición temporaria Kazuya Sakai. La Pintura desde el Espíritu de la Música  con curaduría de Rodrigo Alonso. La muestra contiene una selección de pinturas provenientes de diez colecciones diferentes que incluye la obra Homenaje a Kōrin Serie II. N° 11 (Olas rojas en Matsushima) que forma parte de la colección permanente del museo.  Proveniente de una familia japonesa, Kazuya Sakai (1927-2001),  si bien nació en Buenos Aires se formó primero en Japón y más tarde en New York, siendo parte importante del movimiento informalista. A principios de los setenta se establece en la ciudad de México. Es allí donde empieza a desarrollar una rigurosa estética geométrica. Hacia 1973, toma la obra del maestro japonés Ogata Kōrin y a partir de su estudio e interpretación comienzan a aparecer en su pintura las características bandas paralelas y ondulantes que transitan sobre grandes planos de color, saturados y brillantes.

SAKAI Kazuya. Miles Davis. Bi tches Brew (III), 1973, acrílico sobre tela cruda, 150 x 120 cm. colección particularMiles Davis. Bitches Brew (III), 1973. Acrílico sobre tela cruda. Colección particular, Buenos Aires

La exposición se centra en un período singular de este artista argentino-japonés, el de los años 70, caracterizado por sus homenajes a músicos contemporáneos y de vanguardia, y el homenaje llega a tal punto que las obras pretenden apropiarse de temas y procedimientos cercanos a la música experimental y al jazz.

SAKAI Kazuya. Secuencia, 1979, acrílico sobre tela, 126,4 x 91,5 x 4 cm., colección particular

Secuencia, 1979. Acrílico sobre tela. Colección Particular, Buenos Aires

Según Alonso, en el recorte de la obra de Sakai que presenta esta muestra “desaparecen por completo las marcas de su pasado informalista; ya no hay manchas, texturas ni pinceladas, sino superficies lisas, rígidamente estructuradas, vaciadas de todo rastro de subjetividad”.

GB2312?B?aWUgSUkuIE5vIDExIChPbGFzIHJvamFzIHNvYnJlIE1hdHMB 160 x 160 cm., colecci¨®n MACBAHomenaje a Kōrin Serie II. N° 11 (Olas rojas en Matsushima), 1976. Acrílico sobre tela. Colección MACBA

 Es el mismo Alonso en el que planta una pregunta,  interpelando este tipo de representación tan ordenada que elige Sakai para abordar corrientes musicales caracterizadas por la indeterminación y la espontaneidad. “Como en el jazz, donde el ejecutante improvisa sobre la base de una estructura rítmica (por mínima que sea), la asimetría de los círculos sobre el plano sólido y constante del fondo pareciera mentar la espontaneidad controlada, libre y al mismo tiempo contenida, de este género musical”.

Kazuya Sakai. La Pintura desde el Espíritu de la Música es la exposición que acompañará los festejos por el primer aniversario del nacimiento de MACBA, el 1° de septiembre de 2013.  La muestra abre el 10 de agosto  a las 12 del mediodía y se podrá visitar hasta el 29 de septiembre.