Laurie Anderson: Nuevo show y charla pública y gratuita en el Parque de la Memoria

En el marco de la Bienal de Performance, de la que ya venimos informando, llegará a Buenos Aires Laurie Anderson.

Laurie Anderson es una de las más famosas, atrevidas y creativas artistas de Estados Unidos. Conocida sobre todo por sus presentaciones multimedia, Anderson se desarrolló en papeles tan variados como compositora, artista audiovisual, poeta, fotógrafa, cineasta, talentosa en electrónica, vocalista e instrumentista.

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El 8 de mayo dará un show en el Teatro Opera, se trata de The Language of the Future,  un trabajo multimedia en el que Laurie Anderson presenta letras paradójicas con su personal acompañamiento rítmico. Con un título que refiere a su célebre pieza de 1983, United States, esta obra aborda temas como la tecnología, la comunicación, los viajes y la ciencia, evocando figuras tales como Edward Snowden y Bradley Manning. Las entradas se consiguen por ticketek y van de 350 a 800 pesos.

El 10 de mayo dará una charla abierta y gratuita en el maravilloso Parque de la Memoria, un lugar que pienso que le sienta muy bien a una mujer de su sensibilidad. Seguiremos informando sobre la Bienal. En breve nota con el mapa de todos los eventos.

Videitos: Les Bosquets de JR

El artista callejero francés, que se caracteriza por pegar retratos fotográficos gigantes en las calles, se presenta en el Festival de Tribeca con su opera prima, Les Bosquets, the story of Ladj Ly, el 26 de abril.

Les Bosquets, la película, sigue el primer proyecto de Jr, Portrait of a Generation (Retrato de una generación) en el gueto de Montfermell, la historia de Ladj Ly y las manifestaciones en los suburbios de París en 2005 y finalmente el ballet Les Bosquets 

del New York ballet durante 2014. La película emplea archivo de vídeos, coreografías y testimonios y en breve de presentará en exclusiva en galerías de arte y en museos. Cuenta además con música original de Pharell Williams.

Aquí el teaser y el trabajo de JR en el gueto de Monftermeil entre 2004 y 2005.

MAMBA: Sólo hasta el domingo, la imperdible muestra El círculo caminaba tranquilo

Por Patricia Rizzo

Sólo puede visitarse hasta el próximo domingo. El círculo caminaba tranquilo es una exhibición que muestra parte de la Colección del Deutsche Bank en diálogo con una selección de la colección de nuestro Museo de Arte Moderno en Buenos Aires y cuya innovadora propuesta de montaje, entre otras muchas cosas, la vuelve imperdible. Victoria Noorthoorn, como curadora, dio una indicación precisa a quién sería la diseñadora de la puesta: ”¡Necesito que desaparezca la arquitectura y que los dibujos vuelen!”.

Y así fue. La propuesta hace que la arquitectura se vuelva invisible, mediante el borrado de los ángulos rectos de los zócalos. La idea fue generar una forma de espacio continuo, una sinuosa línea circular que haría flotar las piezas por un fantástico espacio aéreo.

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Artistas ineludibles como Piet Mondrian, Joseph Beuys, Lucian Freud, y Otto Dix se exhiben –y lucen- con nuestros Guillermo Kuitca, Marta Minujín y Alberto Greco, entre muchos otros.

La línea curvada que envuelve el espacio predispone a que el púbico circule silenciosa y cómodamente para llegar a la ubicación de cada pieza en el aire, concentrándose en la secuencia de imágenes. Cada obra como una entidad, cuya materialidad remite al proyecto creativo de cada artista, como un objeto en el espacio. Como ha dicho quién diseñó arquitectónicamente el espacio, Daniela Thomas, en su texto de presentación “como una forma, como un color, como una posición ideológica, un momento en el tiempo, entre muchos otros ecos (…) En este travieso paseo a través de las obras hay una alegría que imagino podría resultarle contagiosa al público. Es algo apetecible y provocador, algo afín al universo de los dibujos en papel, siempre desafiándonos con su mezcla de familiaridad y evasividad”.

Ese tesoro de imágenes incluye a consagrados y recién llegados y resulta un descubrimiento tanto para entendidos como para quienes no suelen frecuentar exhibiciones de arte. Hay imágenes pródigas en texturas y materialidad que resultan muy sugerentes; varios de los más destacados artistas de los siglos XX y XXI, en una apuesta arriesgada, que insisto, renuncia al cubo rectilíneo blanco para proponer un recorrido poético que la hace especial.

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Pueden verse, por ejemplo, la transformación y el movimiento que son temas cruciales de los turbulentos paisajes de Kurt Schwitters; éstos conviven con heliografías de León Ferrari en las cuales el artista analiza el lugar del hombre contemporáneo dentro de una sociedad cuyas reglas determinan su comportamiento automático; también las múltiples líneas que componen cada dibujo de Marina De Caro, presente con varias piezas, que al decir de la curadora “danzan de manera ritual, hablando de la introspección del sujeto y su necesidad de afecto, del desdoblamiento que ocurre al enamorarse, de la confusión del yo en el yo del otro, y de mucho más”

Me gustó esta exhibición porque propone una experiencia distinta, para los que aprecian este tipo de programas y para los que no, que a partir de esa visita podrían ser capturados en su interés para muchas otras.

Fotos de sala: © Josefina Tommasi

Williams en el MoMA: La superficialidad de la superficie, adiós al momento Kodak

Por Martín Volman

“Y sin duda nuestro tiempo… prefiere la imagen a la cosa, la copia al original, la representación a la realidad, la apariencia al ser” Ludwig Feuerbach


“The production line of happiness“, de donde toma el nombre la muestra de Christopher Williams actualmente en curso en el MoMA, es una frase que pronuncia un obrero entrevistado por Jean Luc Godard en uno de sus documentales haciendo referencia al proceso de edición.

 Williams (1956) estudió en el CIA (California Institute of the Arts) a mediados de los ‘70s con la primer ola de artistas conceptuales de la costa oeste: Baldessari, Huebler y Asher, entre otros.  En la muestra The production line of happinnes, recientemente inaugurada, expone más de cien imágenes y un programa de cine experimental curados por él mismo, allí los conceptos que giran en torno a las imágenes son siempre los mismos: la fotografía como medio, el rol de las imágenes y de la publicidad, el consumo y el capitalismo.

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Así por ejemplo en esta obra de 2008 que podría ser una fotografía publicitaria se presentan pecas prominentes de la piel sin editar junto a pies sucios de la modelo. En otras imágenes exhibidas, el artista estadounidense revisa cómo se usa a la mujer para vender.

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La imperfección y el sentido del humor también están presentes en su obra. Es la anti – foto, la imagen que jamás sería aceptada. Williams parece así reírse de la mentira del marketing y la publicidad.

2Para el filósofo checo Vilem Flusser la cámara es un objeto postindustrial. Está programada hacer fotografías y “cada fotografía es una realiación de las posibilidades contenidas en el programa de la cámara”. Así, aparecen en sus imágenes algunos medios de producción del fotógrafo: fotómetro, cámaras, lentes el cuarto oscuro, entre otros.

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Walter Peterhans decía que la imagen se toma antes de presionar el obturador. Williams es más que un artista conceptual, es más que un fotógrafo. Diseña las escenografías pero no hace las tomas.

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Es, ante todo un gran editor. En sus imágenes, investiga la superficialidad de la superficie. Capa tras capa se ocultan más detalles, más referencias (¿a otras imágenes?, ¿a la fotografía?), a las historias que están en la capa 0, el fondo. Así, con la yuxtaposición de capas, se convierte, no sin querer, ’ en un gran narrador.

 

Videitos del week end: Las fotografías de Oscar Muñoz in progress en París

En Magazine, el diario on line de la Jeu de Paume, produjeron un video que muestra, probablemente por primera vez, el proceso de realización de las obras del gran artista colombiano Oscar Muñoz. En jaque, queremos compartirlo porque nos parece excepcional. Acá va:

Bonus track: un recorrido por la muestra que hoy tiene lugar en París.